Hasta julio del 2012 se exhibirá la obra del pintor italiano Giorgio de Chirico en el Musée d’Art Moderne de la Ville de París. La muestra está centrada en la donación que hizo Isabel de Chirico, viuda del pintor, a la ciudad de París y hace parte del reconocimiento que la ciudad hace al artista.

Esta muestra es una de las más extensas retrospectivas sobre la obra de Chirico y está organizada por temas y estilos para dar realce a su extraordinario trabajo. Organizada en 30 pinturas, 20 dibujos y 11 esculturas que representan los principales etapas del pintor. Entre ellas se encuentran una serie de autorretratos que incluyen retratos de Isabel y un desnudo de ella. Además hay naturalezas muertas y caballos en el mar.

Giorgio de Chirico nació en Volos, Grecia en 1888. Hijo de padres italianos, estudió en Atenas y luego se trasladó a Alemania para estudiar en la Academia de Arte de Munich, donde se impregna de la filosofía de Nietzsche, Schopenhauer y otros que elevaban las banderas del pensamiento metafísico. A su regreso a Italia, en 1909, comienza a realizar sus primeros trabajos de pintura metafísica, una muestra de ello es El enigma de una tarde de otoño.

Su mirada metafísica sobre la estética lo llevó a quedar fascinado con Turín y su arquitectura. Se instala a vivir en París y se enrola en el ejército, en 1915, durante la Primera Guerra Mundial. Todo el período que antecede esta etapa en el ejército y la guerra, su trabajo fue marcadamente metafísico, creando la corriente de la scuola metafísica. Los cuadros destacan por el manejo de los colores y la temática sombría, provocando una sensación abrumadora que va a dominar su imaginario.

Tras la guerra hay un cambio y comienzan a aparecer los maniquíes, los paisajes urbanos, los objetos, en una interesante secuencia de desmembramiento de los objetos. Los colores van a estar fuertemente influenciados por su espíritu mediterráneo.

Muchos intelectuales y surrealistas alabaron la obra de Chirico, uno de ellos fue Guillaume Apollinaire quien lo conectó con los surrealistas, causando tanto revuelo que influyó definitivamente en Yves Tanguy, Marx Ernst, René Magritte y Salvador Dalí.

Si bien de Chirico abandonó tempranamente el estilo metafísico para sumarse a otras corrientes, entre ellas al realismo, sigue siendo reconocido por la crítica como pintor metafísico. En 1911, fuertemente influenciado por la luz que proyecta la ciudad de París, comienza a realizar obras basadas en representaciones de los espacios urbanos donde van a predominar sus percepciones sobre los diseños arquitectónicos. A esta nueva mirada estética va a sumar las representaciones atemporales, sin contexto y las yuxtaposiciones de obras sobre obras, propias del surrealismo.

De Chirico es un vanguardista en la pintura, que además va introduciendo el concepto de la imperfección como parte de la obra y de toda acción humana. En 1925 publica la novela Hedbdómero, el Metafísico.

Para más información http://www.mam.paris.fr/fr/expositions/presentation-du-legs-isabella-pakszwer-de-chirico

Nancy Guzman

Uno días de sueño para iniciar el año son en apartamentos en París así que alquile con tiempo y disfrute de todas las maravillas que esta ciudad ofrece al visitante.

Contáctame 

Se dice que una noche de comienzos de la década de los sesenta del siglo pasado Orson Welles buscaba desde el punto de observación de las ventanas de su habitación del Hôtel Meurice el auxilio o el consuelo de la luna. Había pasado meses diseñando escrupulosamente para conseguir el efecto visual deseado que requería su visión de la historia los decorados de su adaptación del Proceso de Kafka y acababa de recibir la noticia de que no habría dinero para construirlos.

Tal vez entre lágrimas, le pareció ver entonces no una sino dos lunas llenas pero enseguida se percató de que esas formas correspondían a dos caras del reloj de la abandonada estación de trenes de Orsay, construida en 1900, a la que partió de inmediato en un taxi obedeciendo su llamada. Allí encontró al traspasar sus puertas, cerca de la cuatro de la madrugada, todo lo que necesitaba para rodar el filme, el mundo de Kafka intacto: las oficinas de los abogados, los tribunales de justicia, los interminables pasillos…en un estilo arquitectónico, más tarde definido por él mismo como modernismo a lo Jules Verne, que no podía avenirse mejor con la estética del escritor checo.

Pero descubrió algo tal vez más importante. Tuvo la sensación de que si la estación era un sitio tan bello para fotografiar era en gran parte debido a que estaba lleno de dolor y de pena, el tipo de dolor y pena que se acumula en un lugar donde la gente espera, y que el Proceso era tal vez sobre todo un libro sobre la espera, y que esperar a que alguien rellene o ponga un sello a un papel no era muy diferente a esperar un tren, con todo el carácter angustioso y trágico que esa acción podía llegar a tener si por ejemplo, como era el caso de Orsay, desde allí se habían mandado trenes a campos de concentración nazis—esos mismos nazis que habían mandado quemar los libros de Kafka.

Desde el uno de diciembre de 1986 la estación de Orsay es un Museo (http://www.musee-orsay.fr/) dedicado a las artes plásticas del siglo XIX cuyo plato fuerte es su asombrosa colección de pintura impresionista, que lo convierten en uno de los máximos atractivos turísticos de la ciudad.

Para conmemorar su 25 aniversario recién se ha completado un extraordinario trabajo de restauración del edificio que, además de añadir nuevas salas y una impactante cafetería diseñada por Humberto y Fernando Campana, supone una revolución completa—basada en el uso de luces eléctricas de nueva generación que reproducen la riqueza de la luz solar y en un gris especial para las paredes que adquiere tonos rojizos o verdosos según la luz—en la manera de exponer los cuadros, cuyos colores se han visto realzados hasta un extremo insospechado y fabuloso.

Paul Oilzum

La transformación es magnífica, casi se diría que mágica. Los nuevos colores e iluminación crean una atmósfera íntima que Guy Cogéval, director del museo ha descrito como el corazón palpitante de las galerías. Tal vez desee verlo por sí mismo cuando alquile apartamentos en París

Contáctame 

El primitivo, al vislumbrar la muerte, empezó, con ello, su andadura de hombre. La nueva realidad era demasiado dolorosa, así que se buscó salidas para poder aplacar esta punzada anímica. Ya que no podía huir de esta terrible cosmovisión recién estrenada, se puso a transformar el mundo comenzando, por tanto, a inventar y a crear. Empiezan, así, las artes. La primera (la música) nace de la repetición del ritmo primigenio: la percusión en la tierra imitando el parto de la madre naturaleza. Con el tambor y, más tarde, la flauta, llegará la danza. No tarda en aparecer el canto, la escultura y la pintura en un intento frustrado por aplacar la ira de los dioses. Tendrá que pasar un tiempo para que se moldee la palabra hasta la explosión de la literatura, mientras que el séptimo arte (el cine) tendrá que esperar miles de años.

Pero, recordemos, el hombre comienza expresando alegría, dolor, conmoción, esperanza y deseo con la danza primitiva que deriva, andando el tiempo, en los distintos ritmos folclóricos transformados, en otra vuelta de tuerca, en ballet clásico. Si bien la danza, asociada a ceremonias de tintes sagrados, ha estado presente desde el nacimiento de la humanidad, no ha sido hasta principios del siglo XX cuando se ha creado una epistemología alrededor de ella. El baile primitivo tenía una finalidad concreta y servía tanto para el regocijo como para la realización de ofrendas a los dioses. Llegado el siglo XIX, la danza ya no es solo un acercamiento a la vida, sino que se convierte en arte y, por tanto, abre puertas a realidades desconocidas. Isadora Duncan (“Mi arte es simplemente un esfuerzo para expresar con gestos y movimientos en la verdad de mi ser”, diría en alguna ocasión) o Nijinsky abanderan esta nueva forma de afrontar el baile.

¿Y qué es lo que se expone en el Centro Pompidou? Pues hasta casi finales de abril de 2012, el museo parisino realiza una muestra basada en la interacción de la danza (como arte inmaterial y volátil) con las artes plásticas (permanentes y fijas). Los organizadores han querido ir más allá y presentan una serie de performances basadas, también, en esta interrelación entre el movimiento de la danza y el estatismo de un cuadro. Los artistas de la exposición, no puede ser de otra manera, son de primera fila. Aunque la lista es larga no podemos dejar de señalar aquí los nombre más punteros: Constantin Brancusi, Fernand Léger, Henri Matisse, Alexander Calder, Merce Cunningham, Sonia Delaunay, Francis Picabia, Pablo Picasso, Jackson Pollock, Andy Warhol, Man Ray, Vassily Kandinsky, Auguste Rodin y un largo etcétera de lo más nutrido de las vanguardias internacionales. Es ésta, sin lugar a dudas, una importante muestra que se completa, además, como es normal en el Pompidou, con interesantes actividades paralelas. Dejo aquí al viajero (y también al autóctono) la Web del evento donde, incluso, se reclama la opinión del visitante: http://www.centrepompidou.fr/Pompidou/

Candela Vizcaíno

Si viajas a la Ciudad de la Luz que no se te olvide dejar reservados apartamentos en París

Contáctame 

Hay ciudades donde el teatro hace parte de la vida y París es una de ellas. Sólo hay que recordar que Molière es conocido como el padre de la comedia francesa y que también lo es del teatro moderno. De allí que la ciudad está llena de grandes salas de teatro famosas por sus representaciones escénicas y nosotros se lo vamos a contar, para que usted planifique una soirée en algún teatro.

Primero le contaremos que tiene toda una gama de teatro clásico en La Comedia Francesa. Este teatro fue fundado por Luís XIV, en 1680 y se encuentra en pleno centro de la ciudad, cercano al Museo del Louvre. Su especialidad son las obras de teatro de autores franceses.

El teatro Zingara es famoso por sus espectáculos teatrales llenos de magia, donde su director, el maestro de teatro y cine Bartabas, fusiona danza contemporánea con dramaturgia y elementos circenses, donde los grandes protagonistas son los caballos. Este teatro ha sido aclamado por su carácter vanguardista y de excelencia. Hasta febrero está presentando la obra Calaca, una interesante reflexión sobre la muerte que se representa con un carnaval. Su dirección es 176 avenue Jean-Jaurès y los valores de las entradas por persona fluctúan entre los 40 y 50 euros. Le recomendamos hacer reservas anticipadamente.

Les Bouffes Parisien, fue construido en el siglo XIX y toma su nombre del la obra del músico alemán, creador de la opereta moderna y fundador del teatro, Jacques Offenbach. Desde los años 60 ha sido uno de los escenarios más dinámicos de París y está presentando hasta marzo de 2012 la obra Nadie es Perfecto, que recoge la vida cotidiana y el juego de parejas. Está ubicado en 4 rue Monsiguy y las entradas debe reservarlas con tiempo. El teatro se encuentra en una zona llena de pequeños restaurantes y bares que lo hacen ideal para terminar la velada.

El Théâtre de la Ville es una gran alternativa para quienes disfruten con el surrealismo y las propuestas diferentes, más contemporáneas y vanguardistas en las artes escénicas. Es un espacio abierto al mundo y la creación, donde caen todas las representaciones, como la danza, la música, entre muchas más. Su dirección es 31 rue des Abbesses y tiene diferentes modalidades de entradas, cuyos precios están dados por los espectáculos: danza y teatro valen entre 14 y 25 euros, dependiendo de la edad. Este teatro tiene actividades todo el año.

El Théâtre Châtelet es un lugar especializado en programas musicales. Durante todo el año tiene muy buenos programas en danza, obras líricas, conciertos, óperas clásicas y contemporáneas. Este año 2012 presentará la interesante ópera en 3 actos Nixon en China. Se ubica en 2 rue Edouard Colonne y los precios varían por espectáculo, pero en los últimos 15 minutos antes de comenzar se pueden comprar a tarifa especial, si hay disponibilidad cuestan entre 10 y 20 euros, dependiendo de la edad. Tiene programas durante todo el año.

Nancy Guzman

Una decisión acertada es pasar los primeros meses de 2012 en apartamentos en París así podrá disfrutar de muy buenos programas de teatro, música, danza y ópera.

Contáctame 

Con la atractiva exposición Audrey Cottin: Charlie & Sabrina, qui l’eût cru? el Jeu Paume pone fin a su programación “Satélite 4”. La muestra que estará abierta hasta el 5 de Febrero del 2012, explora la subjetividad con una interesante propuesta que incluyen acciones que realiza esta artista francesa con la colaboración de diferentes personas o artistas, a los que invitan a ingresar a su  mundo donde el arte  la creación funciona como elemento de intercambio.

Parece difícil definir la obra de Audrey Cottin, a la que podríamos calificarla como escultura preformativa por el trabajo con múltiples soportes y las colaboraciones que elige entre escritores, artistas, escultores o simplemente gente. A través de ellos incursiona en los principios de la fusión y la colaboración para lograr una resonancia y la perfección. La resonancia está inspirada en  una práctica usada en el teatro durante el siglo XIX, donde se comprometía a los espectadores a aplaudir para garantizar el éxito de la obra, y que Cottin ha definido como Clapping Groups a su performance. Aquí la gente entra en una dinámica agradable, que los lleva a pensar en el gesto simbólico del aplauso como acto colectivo de agradecimiento y felicidad. Los Clapping duran 20 minutos y son a ritmo compartido.

La exposición es como un juego en los que Cottin usa multisoportes y es completamente interactiva. Para Cottin este es un juego muy serio, porque busca explicitar la visión colectiva del arte, preguntándose sobre la autoría de una obra, tanto en las formas como en los resultados de ella. Para esto ha realizado una serie de fotografías sobre levantamientos de obras de otros artistas, para cambiar la posición del objeto al estar suspendidas, trastocando la posición de origen.

Todo tiene que ver con el intercambio, ese inquietante momento en que las cosas fluyen y el punto de partida se pierde. Esto es lo que Cottin investiga con sus transferencias, para lo cual se conecta con otro artista a la distancia vía satélite para ver su desempeño.

Cottin es una apasionada de la materialidad, a pesar de ello su trabajo es un conjunto de subjetividades. A través de ella explora lo que tensiona el arte y la creación, como es la noción de autoría que se refiere al concepto de creación individual, concepto propio de la modernidad y que es un cuestionado permanente durante el siglo XX. Michel Foucault plantea que el autor jugó el papel de regulador de la ficción desde el siglo XIX, rol característico de la era industrial y burguesa, del individualismo y de la propiedad privada. También, la noción de autoría fue duramente cuestionada por la Bauhaus, que veía en el uso de la máquina una forma ideal para evitar la “vanidad artística”.

Para más información http://www.jeudepaume.org/index.php?page=article&idArt=1498&lieu=1

Nancy Guzman

Siempre es un buen momento para pasar unos días en apartamentos en París sobre todo por sus buenos panoramas culturales y la gastronomía sin igual de esta ciudad.

Contáctame 

A contar del 31 de enero de 2012 estará abierta la exposición Rabindranath Tagore (1861- 1941) en el Petit Palais de París. La muestra se realiza a un año de cumplirse el 150 aniversario del nacimiento del escritor y dramaturgo indio y está organizada en torno a 85 obras pictóricas sobre papel de su autoría.

La exposición busca mostrar otra arista de Rabindranath Tagore, quien es conocido como novelista, dramaturgo y compositor que obtuvo el Premio Nóbel de literatura en 1913. Sin embargo, al final de su vida comenzó a desarrollar un particular talento en las artes plásticas, creando obras con un talento asombroso para reflejar el microcosmo de su cultura y que hasta hoy son poco conocidas.

Se podría decir que su trabajo es ecléctico, exuberante y dinámico. En sus obras y, en particular, en sus pinturas, se muestra de manera vital el vínculo artístico entre la India y el resto del mundo. A través del manejo del color y los trazos en la construcción de la figura humana, nos muestra un mundo de límites claros, asumido en su cultura tremendamente sensual.

Sin embargo va a ser su literatura, sus creaciones teatrales y musicales, inspirados en una profunda corriente humanista la que vamos a conocer con mayor profundidad. Tagore fue un reformador de las letras y un permanente innovador en su ambiente cultural. Se le atribuye la introducción del cuento corto, con prosa poética, en la literatura bengalí.

Fue uno de los artistas más vanguardistas de la India. Su amor a la tierra, a la cultura india y a la libertad lo llevó a escribir varias canciones de apoyo al movimiento independentista de la India. En 1919 rechazó el título de Caballero de la corona británica en protesta por la masacre de Jaliyaanguala Bagh. Su mayor aporte a la liberación de su país fue la creación de una escuela en Santiniketan, puesto que su planteamiento sobre la libertad se fundamentaba en generar una sociedad emancipada desde la cultura y el conocimiento.

Tagore nació en Calcuta, India, en medio de una familia acomodada y numerosa, con marcado interés por el arte y la cultura. Entre sus hermanos había filósofos, novelistas y poetas que eran respetados por los cerrados círculos de raza blanca. En 1878 viaja a Inglaterra e ingresa al University College de Londres, a pesar que abandona sus estudios, este paso por la cultura británica va a marcar su creación literaria y musical. Así se puede ver en sus columnas que fueron publicadas como Cartas de un viajero en 1881.

A partir de 1912 va a ser ampliamente solicitado para dictar conferencias en Europa y los Estados Unidos, donde establecerá importantes contactos con escritores y académicos que miran con interés los sucesos de su país. La Primera Guerra Mundial y la agudización del conflicto por la independencia de India van a marcar su mirada, definiendo su posición política  junto a las ideas de Mahatma Gandhi.

Para más información http://www.petitpalais.paris.fr/fr/expositions/rabindranath-tagore-1861-1941

Nancy Guzman

No hay mejor panorama para el 2012 que pasar unos días soñados en apartamentos en París así que alquile a el suyo prepare maletas, que no se arrepentirá.

Contáctame 

Hasta el 15 de enero en La Maison Rouge de París se exhibirá Mémoires du futur, la collection Olbricht. La muestra de obras pertenecientes a la colección de Thomas Olbricht se exhibe por primera vez en Francia, al tiempo que la colección Antoine de Galbert se exhibe en Me Collectors Room, en Berlín, a modo de intercambio y dialogo de un registro de coleccionistas amantes de la belleza.

La exposición comisariada por Wolfgang Schoppmann y Georg Laue de la Wunderkammer, explora las particularidades que van haciendo un todo en las colecciones, siendo digno de destacar el carácter ecléctico que tiene la colección Olbricht. En esta colección, más allá de configurar una línea definida de arte, lo que se puede apreciar es que en ella hay una intensión por reunir obras que reflejen la belleza de la creación humana a través de una temática universal como la muerte, la religión, el erotismo, las fragilidades etc.

Thomas Olbricht es un endocrinólogo y bioquímico que ha dedicado parte de su tiempo a ser coleccionista de arte y crear un espacio para exposición de coleccionistas, el Me Collectors Room. Entre las obras que componen su rica colección hay lienzos de Daniel Richter, John Currin, Sigmar Polke, Franz Gertsch entre otros. También hay obras antiguas de Durero, Schongauer, Goya y Caillot. La colección de fotografía está organizada con obras de Robert Capa, Diane Arbu, Lisette Model y Cindy Sherman. También hay instalaciones de Elmgreen y Dragst, Marc Quin, Giampaolo Bertozzi y Stefano Casoni.

Olbricht comenzó a ser coleccionista desde temprana edad. Sus primeras colecciones fueron estampillas que recogía y guardaba celosamente. Luego fueron objetos y finalmente obras de arte. Desde los años 90 del siglo pasado, su colección se ha incrementado, llegando a tener 3.000 obras de 250 artistas, lo que la convierte en una de las colecciones más importantes de Europa.

Una parte interesante que gráfica su colección y la mirada de Olbricht sobre el arte, es el Gabinete de las curiosidades, conformado por diversos objetos que se cruzan temporalmente. Entre los objetos hay cráneos, figuras de marfil que pertenecieron a monarcas y objetos que grafican la muerte. En ese Gabinete se simboliza todo lo que mueve al arte: la vida, la muerte  el erotismo. De allí que se ha transformado en una pieza de arte permanente en sus exposiciones.

Entre las inquietudes que mueven a Olbricht es lograr que Me Collectors Room no sea solamente un museo privado que contenga su colección, sino un laboratorio de arte abierto a las exhibiciones de coleccionistas de todas partes del mundo, generando una dinámica que abra las puertas a conocerlas y apreciar el sentido que ellas tienen en la conservación del arte para el futuro.

Resulta interesante conocer esta bella colección de obras que traspasa la línea del tiempo, las corrientes artísticas, los estilos y sigue intuitivamente la búsqueda de la creación estética.

Para más información http://www.lamaisonrouge.org/spip.php?article763&date=cours

Nancy Guzman

Nada más romántico que pasar unos días de enero en apartamentos en París para disfrutar la ciudad a plenitud y sucumbir a la tentación de ir a todos los buenos espectáculos y muestras de arte que esta ciudad tiene durante todo el año.

Contáctame 

Hasta el 5 de febrero de 2012 el Museo Jeu de Paume exhibe la primera retrospectiva en Francia de la fotógrafa norteamericana Diane Arbus, que busca resignificar su obra a través del universo construido con imágenes que representan la diversidad de Nueva York en los años 50 y 60. Entre ellas hay algunas de sus fotografías más conocidas y otras que nunca han sido exhibidas.

Diane Arbus, cuyo nombre de nacimiento es Diane Nemerov, nació en Nueva York, en 1923. Hija de una acomodada familia judía que gustaba del arte y la cultura, donde desarrolló una sensibilidad especial por las imágenes. Se enamoró tempranamente de Allan Arbus con quien se casa a los 18 años adquiriendo su apellido y el gusto por la fotografía. A comienzo de los años 40 ambos se dedican a la fotografía de revistas de moda, trabajo que era muy bien remunerado y permitía experimentar con la fotografía nuevos ángulos, miradas, uso de la luz y la velocidad con máquinas de primera generación para esa la época. Estos trabajo los hicieron para las prestigiosas Harper’s Bazaar, Esquire y Vogue.

A medidos de los 50, junto con divorciarse, inicia clases de fotografía con Lisette Model, artista austriaca que tenía una particular mirada sobre el trabajo de la imagen. Ella va a ejercer una influencia escencial en el trabajo de Arbus, que a pesar del término de su matrimonio va a conservar el apellido de su esposo.

La irrupción vanguardista en la fotografía de Arbus va a marcar a muchos fotógrafos. Ella sale a la calle a captar emociones, cultura y la esencia humana. No le interesa la belleza, le interesa mostrar lo que la normalidad define como grotesco lleno de humanidad y lo normal como monstruoso. Es su mirada inconformista la que plasma en sus fotografías de manera magistral y ahí está la particularidad, porque cuando se mira una fotografía de Arbus, se está observando un mundo a través de su emoción e inconformidad con la sociedad.

Su centro de actividades fue esencialmente Nueva York, donde todo es posible y se congrega la mayor cantidad de culturas del mundo. Allí encuentra su materia base. Las calles la atraen como un imán y niños, mujeres, hombres, homosexuales y toda clase de personajes van a ser captados como un trabajo de arqueología humana. Arbus va a separar con todo cuidado las imágenes que quiere, cómo las quiere y para qué las quiere. A través de ellas experimenta la luz y su propia capacidad de captar lo que busca en sus fotos de nudistas, parejas, hombres y mujeres de submundos. En pocas palabras, la vida urbana con sus grandezas y sus bajezas.

Esa sensibilidad especial que plasmó en cada foto y la llevó a captar la esencia humana le jugó duras pasadas, como su permanente estado depresivo y alteraciones de comportamiento y carácter que la llevaron a ingerir barbitúricos y terminaron con su vida en 1971.

Para más información http://www.jeudepaume.org/index.php?page=article&idArt=1470&lieu=1

Nancy Guzman

Un paseo por el Sena en diciembre no está nada mal, para que eso sea un placer completo e infinito apúrese en arrendar en apartamentos en París y luego, ya sabe, vaya a todos los buenos espectáculos y exposiciones que esta ciudad le tiene preparados. No olvide ir a Jeu de Paume y ver la obra de Diane Arbus.

Contáctame 

Mariette, vivió en el Siglo XVII y fue uno de los coleccionistas más grandes de toda Europa durante esa época. Tuvo la suerte de nacer en una familia que ya estaba interiorizada en el tema de grabados y printsellers en París, ellos eran editores de libros y fue así como desde joven, Mariette se interesó por el mundo del arte.

Gracias al negocio que tenía su familia, cuando recién empezaba su entusiasmo por los dibujos se contactó con grandes coleccionistas de renombre quienes le proporcionaron algunas obras que ellos venían archivando desde hacía muchos años. Así empezó a hacerse de miles de obras de algunos artistas conocidos y otros no tanto, que se fueron valorizando a lo largo del tiempo. 

Con el paso del tiempo, su fanatismo y pasión por los dibujos se fue extendiendo y llegó a conseguir obras de artistas de casi todos los países de Europa, en especial de Francia, Italia, España y Alemania. A lo largo de vida se encontró con varias personas que lo ayudaron y aconsejaron para darle más relevancia a su colección, así catalogó cada una de sus piezas y las administró de manera oportuna, para hacer canjes de algunas de mediano valor por otras mejores.

Pierre-Jean Mariette logró juntar más de 10 mil obras, lo que demuestran que era un hombre muy comprometido con su causa y que lograba los objetivos que se proponía, siempre y cuando eran realizados con amor y pasión. Nunca desistió de su empresa y cuando tomó relevancia cultural, se aprovechó de esa situación para adquirir las obras más exquisitas (y caras) del mercado. 

Cuando fue adulto y saboreó el gusto del arte con un paladar más maduro, también empezó a coleccionar platos, esculturas, pinturas y todo objeto que le resultaba interesante. Aunque luego varias de sus obras se vendieron y subastaron quedando distribuidas a lo largo del mundo entero.

Fue Pierre Rosenberg, el presidente del Museo del Louvre quien emprendió el proyecto de reconstruir la colección que Mariette había creado muchos siglos atrás. Para esto tuvieron que trabajar mucho y adquirieron obras que estaban expuestas tanto sea en lugares públicos, como privados e intentaron reordenarlas como se encontraban originalmente. Cientos de esas obras recuperadas estarán a la vista de todos los que quieran acercarse al museo.

Mucho tiempo después de su muerte, (1774), la colección que empezó Mariette sigue estando vigente en el ambiente cultural y artístico y miles de personas de todo el mundo se interesan en visitar esta muestra que estará abierta al público general en la ciudad de París. La exposición se llevará a cabo en el Museo del Louvre de la capital francesa desde el día 10 de noviembre de 2011 al 6 de febrero del año siguiente. Así, todos los turistas y habitantes de la ciudad de la Torre Eiffel podrán visitar el museo y disfrutar de la exposición de Mariette.

Para más información sobre esta exposición pueden visitar la página web oficial del evento: http://www.louvre.fr

d.b

Todos los fanáticos del buen arte, deberían alquilar apartamentos en París y visitar el Museo del Louvre que además de ofrecer muchas obras de renombre internacional, durante los últimos meses de este año y los primeros del próximo, estará exponiendo dibujos inéditos que son realmente imperdibles.

Contáctame 

Hasta el 5 de febrero el Museo de Arte e Historia del Judaísmo de París exhibe Walter Benjamín Archives, basada en documentos, objetos, escritos del filósofo que marcó el pensamiento de la segunda mitad del siglo XX y que hoy es uno de los más estudiados por sus tesis sobre la Memoria y el Olvido de la historia.

La exposición está organizada por la Akademie DER Künste de Berlín, la Academia Stiftung zur Förderung von Wissenschaft und Kultur y por el Museo de Arte e Historia del Judaísmo de París, que invitan a conocer como Benjamín fue construyendo su pensamiento y las razones históricas que subyacen en él.

Benjamín decía de la historia “El pasado lleva consigo un índice temporal mediante el cual queda remitido a la redención. Existe una cita secreta entre las generaciones que fueron y la nuestra.” Y vaya que tenía razón este hombre que habló y escribió de arte, historia, literatura, política y teología desde la filosofía.

Walter Benjamin nació en Berlín en 1892. Uso los pseudónimos de Benedix Schönflies y Detlef Holz. Su clara tendencia marxista lo llevó a estudiar con profundidad la evolución del pensamiento y toda acción humana para dar contenido a sus escritos y ensayos.

Fue un estrecho colaborador de la prestigiosa Escuela de Frankfurt, institución inspirada en las teorías de Karl Marx, Max Weber y Sigmund Freud que fue creada para realizar investigación social y desarrollar teoría y pensamiento crítico, y que fue fundada por Georg Lukacs en el año 1924. A pesar que tomó y trabajó muchos y variados temas, su trabajo teórico y aporte a las ciencias sociales fue la visión y revisión permanente del materialismo histórico en el marxismo.

En sus inicios trabajó como erudito literario, realizando muy buenas traducciones a los libros de Marcel Proust y Charles Baudelaire. A partir de este trabajo escribió el ensayo La labor del traductor, que se convirtió en el texto teórico más usado y respetado por quienes realizan el trabajo de traducción e interpretación.

En la exposición se intenta mostrar la forma de trabajo de Benjamin y como organizaba sus archivos y creaba formas novedosas para preservar sus investigaciones y trabajos literarios. Es interesante ver sus libretas, ficheros, agendas, billetes, sobres, objetos y directorios que muestran la sistematización de su trabajo intelectual y las formas creativas que diseñaba para guardar en orden riguroso sus apuntes. Para organizar la exposición se realizó una división en 13 secciones pensadas temáticamente.

En ellas se puede observar de manera didáctica como Benjamín utilizaba técnicas y creaba formas para trabajar el pensamiento con la toma de citas, el montaje de ideas, la asociación y la yuxtaposición de conocimiento teórico y empírico, que le permitieron ir entrelazando sentidos y lógicas que le permitieron reconstruir el pensamiento y organizar sus propias teorías, hoy referencia obligada del pensamiento crítico.

El año 1940 Benjamin murió en extrañas circunstancias en la frontera franco-catalana, en Portbou, cuando intentaba escapar de la persecución nazi a los Estados Unidos, donde lo esperaba su gran amigo Theodor Adorno.

Para más información www.mahj.org

Nancy Guzman

Benjamin siempre escribió sobre la vida y por la vida, así que vaya y disfrútela arrendando en apartamentos en París y apúrese para que este fin de año no se quede con las ganas de pasear por esta bella ciudad.

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