Tätowierer sind nicht nur ein Teil der urbanen Kultur, sondern auch Künstler und Neu-Bildner des Körpers, denn mit ihren Nadeln geben sie der Geographie unseres Körpers eine neue Bedeutung, indem sie die Haut mit Farbe und Designs verändern. Für ihre Arbeit benötigen sie eine Vielzahl von Instrumenten wie zum Beispiel Nadeln, Spraywerkzeug, Sterilisatoren, Zerstäu-ber, Tinten und Pigmente, Zeichnungsmodelle, sowie viele weitere Wegwerfmaterialien zum Sterilisieren der zu tätowierenden Hautpartie, denn so wird es von den sanitären Autoritäten vorgeschrieben.

Tätowierungen werden heutzutage sogar als Make-up verwendet, indem Lippen- und Augenumrandungen oder auch Rouge nachgezogen werden. Im Folgenden geben wir Ihnen einige Tipps zu Tätowierstudios in Paris, damit Sie Ihren Besuch dieser wunderschönen Stadt vielleicht mit einem Tattoo verewigen lassen können.

Übrigens können Sterilisatoren oder Autoklaven, die grundlegend notwendig sind, um alle Materialien absolut keimfrei zu halten, in jedem Geschäft für medizinische Geräte erworben werden.

Paris Tattoos ist ein Tattoo Shop, der 1989 gegründet wurde und nach dem Künstlernamen des Tätowierers und Eigentümers Paris benannt wurde. Er ist auf der ganzen Welt für seine Designs und die gute Qualität seiner Tattoos bekannt. Paris Tattoos liegt in der 1820 South Blvd., Charlotte und bietet ebenfalls Tätowiermaterialien, Entwürfe und Piercings an.

Tin-tin Tatouages liegt in der 37 rue de Douai und ist ein sehr prestigeträchtiger Tattooshop, der von Tätowierern und Interes-senten aus der ganzen Welt aufgesucht wird. Die Designs von Tin-tin Tatouages sind wahre Kunstwerke, von denen jeder Tattooliebhaber träumt.

Karl Marc Tattoos ist ein Studio, in dem Tattoos Kultstatus genießen. Gelegen in der 13, Rue de la Grange aux Belles bietet es ganz besondere Designs mit Bezug zur Naturverbundenheit, wie Vögel, Blumen, etc., die dem Körper einen Hauch von Natur verleihen können. Karl Marc ist nicht nur ein großartiger Zeichner, er verkauft auch von Hand gearbeitete Tätowiergeräte mit Garantie. Um Preise zu erfahren oder ein Gerät zu kaufen, wenden Sie sich einfach an folgende Adresse: kustomtatoo@yahoo.com.

All Tattoo hat alles, was ein Tätowierer seinen Kunden bieten möchte, die besten Designs gefertigt mit Materialien erster Qualität. Gelegen in der 16, rue Saint Sabin gilt es als Zulaufstelle für alle Liebhaber des Tattoos und bietet seinen Kunden eine großartige Auswahl an Designs, Tinten und Piercings.

Anomali Tattoo & Piercing widmet sich ausschließlich der Welt des Tattoos. Sein Team setzt sich zusammen aus Karim, dem Geschäftsführer, sowie zwei Tätowier- und Piercingspezialisten. Nahe des Center Georges Pompidou bietet der Shop ein so umfangreiches Repertoire, dass kein Tattoo unmöglich scheint, inklusive interessanter Kunstwerke, die einen bedeutenden Teil des Körpers bedecken können, oder auch kleiner dimensionierte graphische Designs.

Ein Tattoo sollte sehr ernst genommen werden, denn Haut und Körper werden zur Schau gestellt, weshalb eine einwandfreie Qualität der Tattooprodukte unerlässlich ist. Daher legen wir großen Wert darauf, dass all die beschriebenen Tattoostudios weithin bekannt sind für ihre seriöse Arbeit und die besten Produkte, die auf dem lokalen Markt zu finden sind.

Nancy Guzman

Der Januar ist ein großartiger Monat, um zu verreisen und neue Dinge zu erleben. Mieten Sie appartments in Paris und genießen Sie all das, was diese großartige Stadt zu bieten hat.

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Übersetzt: Jule
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Bis zum 5. Februar 2012 wird im Jeu de Paume -Museum der erste Rückblick in Frankreich der amerikanischen Fotogräfin ausgestellt. Diane Arbus, die  darauf abzielt, ihre Arbeit im gesamten Universum zu gestalten und zwar  mit Bildern, die eine Vielfalt von New York aus den  50er und 60er Jahren darstellt. Unter ihnen sind einige der Bilder mehr bekannt und andere, die noch nie ausgestellt waren, weniger bekannt.

Diane Arbus, deren Geburtsname Diane Nemerov ist, wurde 1923 in New York geboren. Die Tochter einer wohlhabenden jüdischen Familie, die die  Kunst und Kultur liebte, und sie so eine besondere Sensibilität für die Bilder entwickelt. Sie  verliebte sich in  Allan Arbus und  heiratete ihn  im Alter von 18 Jahren, beide hatten großen Geschmack für die Fotografie. Als sie  40 Jahre als waren widmeten sich beide an die  Fotografie von Modezeitschriften, die  Arbeit  wurde sehr gut bezahlt und geeignet für neue Experimente, wie das Verwenden von Licht und der  Geschwindigkeit der ersten Geräte aus der  dieser Zeit. Diese Arbeiten machten sie für die renommierten Harper’s Bazaar, Esquire und Vogue.

Als sie in die Mitte der 50er Jahre kamen, zusammen mit der Scheidung, begann sie Lehrgänge mit Lisette Model, eine österreichische Künstlerin, die einen besonderen Blick auf die Arbeit des Bildes hatte . Sie machte mit einem wesentlichen Einfluss von  Arbus weiter, und sie behielt  trotz Ende ihrer Ehe den Nachnamen ihres Ehemanns bei.

Der Avantgarde- Einbruch der Fotografie von Arbus markierte  viele Fotografen. Sie geht  auf die Straße um Emotionen und Kultur und das menschliche Wesen zu erfassen. Es interessiert sie nicht die Schönheit, es interessiert sie zu zeigen wie  die Normalität als grotesk voller Menschlichkeit definiert wird und das Normale als monströse Ihre nonkonformistischer Blick ist  in ihren Fotografien meisterhaft und darin liegt die  Besonderheit, denn wenn man sich ein Foto von Arbus anschaut, dann bemerkt man eine Welt gefühlt mit der eigenen Emotion  und die Unzufriedenheit mit der Gesellschaft.

Das Aktivitäts-Zentrum spielte sich im Wesentlichen in New York ab, wo alles  möglich ist  und sammelt so die meisten Kulturen der Welt. Dort findet sie  ihre  Grundlage. Die Straßen ziehen sie an wie ein Magnet und Kinder, Frauen, Männer, Homosexuelle und alle Arten von Personen  werden als ein Werk der menschlichen Archäologie erfasst. Arbus separiert alle ihre  Bilder, die Sie möchte mit großer Sorgfalt. Durch sie erleben Sie das Licht und erfassen ihre Fähigkeit in ihren Bildern von Nudisten, Paare, Männer und Frauen von Teilwelten. Mit anderen Worten, das urbanische Stadtleben mit all ihrer  Größe und ihrem Abbau.

Diese besondere Empfindlichkeit, die sie in jedes Foto formt,  nimmt sie um das menschliche Wesen schwieriger Vergangenheiten zu erfassen, wie ihr  lebenslanger depressiver Zustand und ihre Erkrankungen im  Verhalten und Charakter  führte  sie bis zur  Einnahme von Barbituraten  und beendete so ihr  Leben im Jahre 1971.

Für weitere Informationen http://www.jeudepaume.org/index.php?page=article & IdArt = 1470 & Lieu = 1

Nancy Guzman

Ein Spaziergang im Dezember entlang der Sena ist nicht schlecht, so ist dies eine vollständige Freude sich zu beeilen eines der appartments in Paris zu buchen.um zu dieser schönen Ausstellung zu gehen. Die Stadt hält dies für sie bereit, also nicht vergessen, im Jeu de Paume – Museum können Sie die Werke von Diane Arbus sehen.

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Übersetzt: melila
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Noch bis zum 19. Februar 2012 ist im Museum der Dekorativen Künste (Musée des Arts Decoratifs) in Paris erstmals das Werk des österreichischen Graphikkünstlers Stefan Sagmeister in Frankreich zu bestaunen. Unter dem Titel „Eine weitere Ausstellung über Werbung und kommerzielles Material“ wird die besondere Sprache des Künstlers repräsentiert, welcher durch das Mischen von Kunstwerken und graphischen Arbeiten einzigartige Stücke hervorbringt.

Die Ausstellung enthält Illustrationen von Jacken, CDs, kommerziellen Katalogen, Expositionen, Installationen, Zeichnungen, Logos, etc. und versucht damit, eine Achse entlang der Arbeiten der vergangenen sieben Jahre zu ziehen, indem sie diese in vier Sparten unterteilt, welche der Künstler wie folgt bezeichnet: Kultur verkaufen, Freunde verkaufen, Firmen verkaufen und sich selbst verkaufen, denn all die exponierten Werke handeln vom Verkauf.

Mit dieser Auswahl möchte Sagmeister darstellen, dass zwischen der Welt der Graphik als Ausdrucksform der Kunst und dem kommerziellen Bereich, der sich dem Verkauf der Produkte widmet, kein Unterschied besteht. Ein interessanter Diskussionspunkt, denn er öffnet den Dialog über den Wert der immateriellen Arbeit, welche sich sowohl auf die Kunst erstreckt wie auch auf die Werbung, in der Images kreiert, oder künstlerische Bilder zur Werbung von Produkten genutzt werden, oder wie in Sagmeisters Fall, graphische Bilder geschaffen werden, um mit ihrer Hilfe Produkte zu verkaufen.

Stefan Sagmeister wurde 1962 in Vorarlberg, Österreich, geboren. Er studierte Graphik und Design an der Universität für angewandte Kunst in Wien und erhielt im Anschluss ein Stipendium für das Pratt Institute in New York. 1991 zog er nach Hong Kong, wo er für die Werbeagentur Leo Burnett arbeitete, sowie mit Oliviero Toscani und Tibor Kalman, dem Mitbegründer des Colors Magazine. Daraufhin begann er, sich für die Musik zu interessieren und eröffnete sein eigenes Unternehmen, mit dem er als Graphikdesigner für Lou Reed, die Rolling Stones, Talking Heads oder auch für das Musikhaus von Porto arbeitete.

Mit seiner Arbeit war Sagmeister so erfolgreich, dass er heutzutage auf der ganzen Welt Konferenzen abhält. Er war neben Ben Cohen ebenfalls einer der Mitbegründer der Bewegung True Majority, welche 500 Künstler, einflussreiche Persönlichkeiten, Unternehmer und meinungsbildende führende Personen der USA vereinte, die öffentlich ihre Ablehnung des Irakkrieges bezeugten, welchen sie als einen Betrug am Volk dieses Landes ansahen, und forderten, dass die Investitionen in die Waffenindustrie reduziert und stattdessen mehr Geld in die Erziehung gesteckt werden sollte. Zur Förderung dieser Idee wurden aufsehenerregende Kampagnen in der New York Times und dem Wall Street Journal veröffentlicht.

Sagmeister ist für seine ganz spezielle Art und Weise bekannt, in der er seine Botschaften auf sehr ungewöhnlichen Trägermedien präsentiert. Dies hat beispielsweise für Kontroversen gesorgt, als er auf sehr radikale Weise seinen eigenen Körper als graphischen Träger für ein Plakat verwendete, das er Anfang der 90er Jahre entwarf. Anlässlich der Konferenz des American Institute of Graphic Arts auf dem Campus von Cranbrook bat er damals seinen Assistenten, ihm die Informationen zur Konferenz mit einem spitzen Gegenstand auf den Oberkörper zu ritzen, ließ sich anschließend fotografieren und wurde somit selbst zum Plakat.

Für mehr Informationen besuchen Sie folgende Website: http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/accueil-292/une-486/francais/publicite/expositions-96/actuellement-504/stefan-sagmeister-another-exhibit/

Nancy Guzman

Der Dezember ist der perfekte Monat, um sich eine wohlverdiente Auszeit zu gönnen. Also mieten Sie appartments in Paris und genießen Sie diese wunderschöne Ausstellung über das Genie der graphischen Künste, Stefan Sagmeister.

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Übersetzt: Jule
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Afrikanische Musik hat in den vergangenen Jahrhunderten unglaublich viele Stile definiert. Ihr Einfluss ist weiterhin sehr stark und weckt nach wie vor großes Interesse beim europäischen Publikum wie auch bei verschiedensten Musikern und Produzenten aller Genres. Die Wirkung der afrikanischen Klänge ist somit unübersehbar, allerdings ist es auch kompliziert eine Linie aufzuzeichnen von welcher aus der “afrikanische Sound” definiert werden kann. Man könnte vielmehr sagen der afrikanische Einfluss ist überall zu finden. Ob im Blues, Jazz, Funk oder Elektro, der Afro-Sound ist bei der Kreation vieler Genres beteiligt, teilweise als Element des Widerstandes oder auch als Resultat des Prozesses des Kolonisation und Sklaverei, sowohl in Amerika wie auch in Europa. Die Präsenz der afrikanischen Kultur auf allen Kontinenten und als Gegenstimme in Zeiten der Repression oder Ausgrenzung drang somit tief in das künstlerische Bewusstsein ein und diente als Quelle für eine Generation an integrativen Ästhetiken, welche die moderne und zeitgenössische Kunst und natürlich auch die Musik des XX Jahrhunderts verändert haben.

Einige der ersten Auswirkungen dieses Einflusses sind in Frankreich vielleicht in den Ansätzen der Avantgarde zu Beginn des Jahrhunderts zu sehen. Wir sprechen von den „Ismen“; vor allem der Kubismus und Surrealismus, sowohl innerhalb der Malerei wie auch bei der Skulptur. Die traditionelle afrikanische Skulptur von Stammes-, Referenz-, Kult- oder zeremoniellem Charakter war ohne Zweifel ein Ausgangspunkt für die Prozesse der Dekonstruktion die von Leuten wie Picasso oder Gris realisiert wurde indem sie Gesichter, Proportionen und Perspektiven auflösten. Auf die gleiche Weise faszinierte der heilige Charakter dieser Arbeit von ursprünglichem Geiste, menschlich mehr als menschlich, André Breton und die Surrealisten; man sollte erwähnen dass Breton damals einer der größten Sammler afrikanischer Kunst war und die ganze Welt in das Haus von Breton kam, um ihm wohl oder übel die Hand zu küssen. Exotismus in Richtung Afrika gibt es in Frankreich immer noch. Auf die gleiche Weise gibt es in Belgien, ein weiteres Land welches Kolonien auf diesem Kontinent hatte, in einer Stadt wie Brüssel aufgrund der großen afrikanischen Community einige der interessantesten afrikanischen Kunsthandlungen.

Doch vom Exotismus und der Kolonie kommt man zu der Aktion. Der Einfluss wird zu einer bestehenden Anwesenheit und so bringt das Africolor Festival einige der besten Vertreter der Afromusik aller Genres nach Paris: Amazigh Kateb, Badjé Tounkara Trio, Black Studies, Boubacar Traoré, Christine Salem, Danyel Waro, Debademba, Djeli Moussa Condé, Djéliny Kouyaté, Edmond Mondésir, Ensemble Mtendeni Maulid, Femi Kuti and The Positive Force, Founé Diarra Trio, Hélène Breschand et Ze, Jam Afane, Imidiwen, Imperial Tiger Orchestra, Jacky Molard et Founé Diarra, Jean-Didier Hoareau, L’oeil de Sikasso, Le Bal de l’Afrique enchantée, Le Bal Tamoul, Nicole Slack Jones und Ahmed Fofana sind nur einige der Namen die bei diesem Festival präsent sein werden. Wenn du Liebhaber von Musik oder afrikanischer Kultur in allen ihren Erscheinungsformen bist, dann ist dieses Festival das Richtige für dich. Für mehr Information besuch einfach die folgende Website: http://www.africolor.com/

Alexa Ray

Besorg dir appartments in Paris und sei bei diesem großartigen Musikfestival dabei. Spaß garantiert.

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Übersetzt: Grete Tal
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Vor dem Vorfall war das Café la Perle (Rue de la Perle, Paris) bereits eine der erlesenen und besonderen Bars von Paris, einer dieser Orte, die als perfektes Szenario für jene Personen gelten, deren Hingabe und Liebe zu den neuesten Trends in der Welt des Modedesigns den Begriff fashionist geprägt haben. Ein Ort, an dem die tatsächliche Dekoration in den Kunden besteht, makellos gekleidete, oft junge Menschen, und der  außerdem für ein nicht unerhebliches Niveau an Kreativität und Erfindung steht.

Kunden und Spiegel, letztere ein essenzielles Element für den Austausch flüchtiger Blicke, die so typisch für diesen Ort sind, oder auch, um sich selbst mit der notwendigen Häufigkeit zu betrachten, ebenfalls eine unverzichtbare Tätigkeit, wenn man den Stellenwert der Stammkunden dieses nächtlichen Tempels der modernen Mode betrachtet. Kunden, Spiegel und Mobiltelefonkameras der neuesten Generation. Letztere haben erst kürzlich eine wichtige Hauptrolle gespielt und dazu verholfen, La Perle auf das Niveau der beiden höchsten Kategorien jedes religiösen Kultes zu erheben, in dem Raum für Vergötterung besteht. Wir beziehen uns natürlich auf das Martyrium und das Opfer, zwei Aspekte, die miteinander verflochten, als kürzlich der britische Designer John Galliano, eines der großen Talente in der Welt des Modedesigns der letzten Jahrzehnte, im Café la Perle, nicht ohne ein gewisses autodestruktives Zutun, in Ungnade gefallen ist.

Als Modeschöpfer hat John Galliano mit seinen 51 Jahren bereits ein Erbe für die Ewigkeit hinterlassen, gekennzeichnet durch seinen barocken Style, der stets mit dem Exzessiven liebäugelte. Es handelt sich also um einen theatralischen Designer, der allzu oft auf die Hyperbel zurückgriff, um Dramatik auszudrücken und einen bestimmten Style zu definieren. Als seine Intimsphäre verletzt wurde, während er sich im Café la Perle betrank, reagierte er eindeutig berauscht auf die Einmischung seiner Tischnachbarn mit einigen unglücklichen und unentschuldbaren antisemitischen Kommentaren, für die er später vorbehaltlos um Verzeihung bat.

Das Video des Vorfalles, das von den beschimpften Kunden mit einer Handykamera ohne das Einverständnis Gallianos aufgenommen wurde, ist um die ganze Welt gegangen. Darin ist eindeutig zu sehen, dass der Designer betrunken war. Auch ist zu erkennen, dass er posiert, in eine Rolle schlüpft, sich mit einer Maske brüstet, so hässlich diese auch sein mag. Wir alle haben irgendwann in unserem Leben schon einen solchen Moment erlebt. Wir alle haben in erhitztem Zustand Sachen gesagt, vor allem unter Alkoholeinfluss, die wir später bereut haben. Und wir alle verbergen auch einen Faschisten in uns. Dieser ist der wirkliche Feind. Wenn man uns in einem dieser Momente auf Video aufnehmen und dieses Beweisstück später veröffentlichen würde, fielen wir alle auf beschämendste Weise in Ungnade. Die Frage ist, bis zu welchem Punkt dürfen Worte, die in unserem Privatleben in einer außer Kontrolle geratenen Situation und ohne jede Verbindung zu unserem Berufsleben gefallen sind, so viel Macht haben, unsere Karriere zu ruinieren. Die Frage ist, wo würden wir als Gesellschaft enden, wenn immer alles strikt wortwörtlich genommen und zitiert würde.

Paul Oilzum

Galliano wurde nicht nur bei Dior gefeuert, wo er für die Damen-Modelinie verantwortlich war, sondern auch von seiner eigenen Firma John Galliano. Paradox, womöglich vergleichbar mit der Tatsache, dass das Café la Perle im jüdischen Stadtviertel Le Marais liegt, wo einige der bezauberndsten appartments in Paris zu finden sind.

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Übersetzt: Jule
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An der Avenue Pierre-Ier-de-Serbie Nr. 10 situiert, beherbergt das neoklassische Gebäude der Fürstin von Gallien seit 1977 das Mode Museum der Ville de Paris.

Die Sammlung reicht von Kostümen aus der Zeit vor der französischen Revolution, wie wir sie in Gemälden von Fragonard sehen können – bis hin zu Kreationen von jungen Designern. Im Zentrum finden sich bis zu 300 Stücke von Madame Gres, darunter 80 Kleider, 50 Fotografien und hunderte von Zeichnungen, die die Ausstellung „Madame Grès: la couture à l’œuvre“, die bis zum 24. Juli zu sehen sein wird.

In der ganzen Modegeschichte finden wir wenige Fälle, die mit dem von Madame Gres (1903-1995) vergleichbar wäre. Obwohl sie schon immer von vielen bewundert wurde, wie zum Beispiel von Yves St. Laurent und Azzedine Alaia, von Alber Elbaz und Yamamoto, von Halston bis Maíz Bowles…, ist sie noch bis heute eine für das große Publikum Unbekannte. Sie starb in Einsamkeit und Abgeschiedenheit – nie mochte sie die Öffentlichkeit, Marketing oder Interviews. Sie sagte immer „Ich hab nichts zu sagen, aber viel zu zeigen“ .

Der Grund weshalb sie bald „unterging“ war ihre Unfähigkeit, sich dem prêt-à-porter System zu fügen. Sie war eine Designerin par excellance, puristisch und riguros, talentiert und von all ihren Kollegen bewundert, hat sich Madame Gres immer als Bildhauerin des Stoffs verstanden. Ihre Welt war die der Haute Couture, in der der Künstler und sein Klient in einen regen Dialog traten.

Wenige Designer haben den weiblichen Körper so respektiert und ihm geschmeichelt wie Madame Gres. Ihre Designs sind immer gemütlich und leicht zu tragen, und zeugen von ihrem Interesse an traditioneller Kleidung aus Griechenland, so wie auch Indien, Nordafrika oder Japan.

Paul Oilzum

Weil sie schon immer zu den modernen Denkerinnen gehörte, können Sie heute mehr denn je, die ihre Kunst bewundern und verstehen, wenn Sie appartments in Paris mieten.

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Übersetzt: Heloise Battista
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Der exzentrische Modedesigner und Kreativdirektor von Christian Dior, John Galliano, wurde nur ein Tag nachdem die Aufnahmen, in denen er im betrunkenen Zustand antisemitische Äusserungen von sich gab, entlassen.

In den Videos, die überall im Internet zu sehen sind, sieht man einen betrunkenen Galliano in der Bar La Perle im Pariser Marais-Viertel, wo er wortwörtlich sagte, dass er Hitler liebte. Ein anderes Video zeigt ihn in derselben Bar an einem anderen Tag, und ebenso betrunken, auf dem er ein Paar ebenfalls beschimpfte. Dieses denunzierte den Modedesigner aus Gibraltar schließlich.

Angesichts des Videomaterials blieb dem Chef der Firma keine andere Option als den Kreativdirektor zu feuern. Insiderkommentaren zufolge war dies der Tropfen, der das Fass zum überlaufen brachte, in einer Serie von Problemen, die Galliano der Firma bereits beschert hatte. In der Modebranche heißt es, dass Sidney Toledano, Chef von Dior, die exzentrischen Ausraster des Designers satt hatte, und dass er schon seit einiger Zeit einen Grund dafür suchte, um diesen zu entlassen. „Ich verurteile die Aussagen von John Galliano vehement, sie widersprechen allen Werten, die unsere Firma darstellt“, sagte dieser in einer Pressemitteilung.

Natalie Portman, die nicht nur Jüdin ist, sondern auch das Werbegesicht für den neuen Dior Duft Miss Dior Cherie war sehr schockiert angesichts der unglaublichen Äußerungen von Galliano, und teilte mit, dass sie in keiner Weise mehr mit ihm in Verbindung stehen wollte. Für viele enge Freunde Gallianos gibt es für sein destruktives und aggressives Verhalten eine Begründung, nämlich dass dieser schon seit Jahren den Verlust einiger wichtiger Bezugspersonen zu verarbeiten hatte, eine Trauer die Galliano seit Jahren mit Alkohol ertränkte. Galliano frequentierte mit Regelmäßigkeit die Bars in Marais, eines der bekanntesten Schwulenviertel der Stadt, wo außerdem auch ein Großteil der jüdischen Gemeinde in Paris lebt.

Im Jahr 2007 starb sein Lebensgefährte und Asisstent Steve Robinson an einer Medikamentenüberdosis in Paris. Ein Monat später starb die Stylistin und enge Freundin Isabelle Blow, die sich das Leben nahm, der dann auch schließlich Alexander McQueen folgte, ein ebenso enger Freund des Designers, so dass dieser in eine tiefe Depression verfiel.

Im Moment wird gemunkelt, dass Haider Ackermann, ein kolumbianischer Designer, einer der heißesten Kandidaten auf die Nachfolge von Galliano bei Dior ist. Wir werden sehen wer den heißbegehrten Posten schließlich besetzen kann.

Laura Aurelia

Und wieder ist Paris die Schaubühne für die größten Modeskandale. Miete appartments in Paris und erlebe diese wunderbare Stadt zur Sommerzeit.

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Übersetzt: Heloise Battista
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Bis zum 31. August wird in der Pierre Bergé Stifung in Paris die Ausstellung Yvest Saint Laurent- Rive Gauche Die Revolution der Mode präsentiert. Die Ausstellung ist eine Hommage an den Designer, der die ästhetischen Maßstäbe für Frauen verändert hat und ihnen über Kleidung und Accessoires mehr Macht gegeben hat.

Provokateur und Bahnbrecher Saint-Laurent nahm Paris ein und verlieh der Mode ein Kunstkonzept. 1966 nahm er den Smoking und zog ihn seinen weiblichen Modellen an, was den traditionellen Kleidungsregeln ein Ende setzte. Schon vorher hat er die Haute Couture eingeschüchter mit der schwarzen Bluse und dem Saharahemd, was Eleganz und guten Geschmack mit einem ethinischen Abdruck kombinierte, der der modernen Frau mehr Bewegungsfreiheit gab.

Henry Donat Mathieu, weltweit als Yves Saint Laurent bekannt wurde 1936 in Orán, Algerien geboren. Obwohl er einer hochklassigen Familie angehörte, durchlebte er schwierige Moment in seiner Kindheit aufgrund von Diskriminierung für seine Homosexualität. Er erzählte von einigen Erinnerungen aus der Schulzeit: „Für die Kinder war ich gefundenes Fressen, sie schlossen mich ins Klo ein, beleidigten und schlugen mich.“

Sein Debut in der Haute Couture Mode machte er bei Christian Dior, wo der schlecht für seine Kreativität und Perfektion in ästhetischen Linien auffiel, die mit den großen kulturellen und wirtschaftlichen Veränderungen der Nachkriegszeit einhergingen. Saint-Laurent griff den Ruf der Straße auf, der alltäglichen Frau, die aus dem Haus geht, um sich dem Industrialusierungsprozess und bezahlter Arbeit anzuschließen. Mit diesen Elementen erstellte er neue ästhetische Konzepte, die Bewegungsfreiheit mit Schönheit und gutem Kleidungsgeschmack kombinierte.

In den 50er Jahren frischte er den Frauenkleiderschrank mt der berühmten Linie Trapecio auf, die dazu bestimmt war dem Körper mehr Plastizität und Bewegungsfreiheit zu geben, in dem er das Korsett entfernte, den den Oberkörper der Frau steif ließen und erweiterte den Umfang, um einen agilen, leichten Schritt zu gewähren.

Sein erster Laden eröffnete im September 1966 in der Rue Tournon de la Rive Gauche, was auch seinem ersten Parfum seinen Namen gab für die Frau, die arbeitet und ihr Geld für besondere Dinge ausgibt: Rive Gauche.

Picasso, Van Gogh, Braque, Mondrian und Matisse inspirierten seine Kreationen und verwandelten seine Designs in Kunstwerke, die im Metropolitan Museum in New York ausgestellt wurden.

Seine Besessenheit und eine hohe Dosis künstlerische Sinnlichkeit behielt er trotz permanenten existentiellen Krisen bei, die in Drogenexzessen und Alkohol endeten. 1960 erlitt er einen Kollaps auf den Ruf zum Militär und er wurde für fast 3 Monate ins psychiatrische Zentrum Val-de-Grâce eingeliefert. 1989 diagnostizierte man ihn in einem psychiatrischen Krankenhaus mit einem schweren Fall von deliriun tremens. Seine Unsicherheit mit dem Vergehen der Zeit, die Konkurrenz und seine Kindheitserfahrungen machten sich in seiner Gesundheit fest. Er starb 2002 und eine Aschen sind in den Majorelle Gärten in Marrokko versträut.

Für mehr Information: http://www.fondation-pb-ysl.net/en/Accueil-Fondation-PB-YSL_rive-gauche_2011-485.html

Nancy Guzman

Wenn du nach Paris kommst und kein Geld hast dir ein echtes Saint Laurent Stück zu kaufen, mach dir keine Sorgen, du kannst seine wichtigsten Kreationen sehen und die Geschichte dieser Modepersönlichkeit, der die Art wie wir Frauen betrachten revolutioniert hat, in der Pierre Bergé Stiftung kennenlernen. Und um in appartments in Paris auszuruhen braucht es keine großen Summen, wie laden dazu ein die besten Momente in Paris zu verbringen.

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Übersetzt: Miss Moci
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Der Petit Palais im Museum für bildende Kunst im Ville de Paris stellt bis zum 27. Februar eine Fotoausstellung von Pierre und Alexandra Boulat (Vater und Tochter) vor. Sie trägt den Titel „100 Fotos von Pierre & Alexandra Boulat“ und ist von Reportern ohne Grenzen gefördert, eine Institution, die das Recht an Information verteidigt, Journalisten schützt und mit ihnen im Informationsdienst in Gefahrzonen zusammenarbeitet.

Pierre Boulat wurde 1924 geboren und arbeitete mit dem legendären Magazin Life zusammen und fotografierte die großen Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts, unter denen Figuren wie der Schriftsteller Julio Cortazar, die Kinopersönlichkeit und Sexsymbol der 60er Brigitte Bardot oder die Modeikone Yves Saint Laurent zu finden sind. Alexandra wurde 1962 geboren, entschloß sich dazu den Krieg zu fotografieren und die politischen Konflikte im Kosovo, Bosnien, im Irak und Palästina. Trotz solche unterschiedlicher Themenbereiche haben Pierre und Alexandra einen Aspekt gemeinsam: Menschlichkeit.

Die Ausstellung ordnet die Fotografien in verschiedene Themenbereiche ein, wo der Besucher den erschreckenden Krieg in Afghanistan sehen kann, wie auch die exquisite Mode von Karl Lagerfeld in Paris.

Um die Aussagekraft der Fotografien herauszuheben, ist die Ausstellung in Hinblick auf das Informationskonzept ausgerichtet worden und in der Rolle des Fotos als Übermittler von Nachrichten, in kleinen Schritten, um den Besucher an die journalistische Fotografie heranzuführen. Die Fotos, vorsichtig gegliedert, haben kleine Ausschnitte, die die Situation in jedem Land, Region oder sozialen Kontext erklären, wo das Foto geschossen wurde. Im Salon ist die Ausstellung in einem dramatischen Ambiente in Szene gesetzt, wo Dunkelheit und Licht eine bestimmende Rolle spielen im Einfluß auf den Besucher, wenn er die Realität beobachtet, die in einem Moment festgehalten wurde.

Auch wenn beide in der Welt der journalistischen Fotografie tätig sind, begann Alexandra in der Malerei, nachdem sie Kunstgeschichte studierte, aber der Balkankrieg brachte sie zur Fotografie mit Sipa Press und machte sie zu einer der wenigen Reporter, die diesen Konflikt graphisch dokumentierten. Sie erfasste die Schmerzen des Kriegs und die Barbarei, die dem ersten Kanonendonner folgte. Ihre Fotos wurden im Paris Match veröffentlicht, dem Magazin Newsweek und den Times in den USA. Später folgten der Nahostkrieg und Afghanistan, wo Alexandra arbeitete und das Leiden der Menschen aufnahm, was durch die politischen Entscheidungen verursacht wurde.

Pierre Boulat starb 1998, nachdem er 60 Jahre in der journalistischen Fotografie arbeitete. Seine Arbeit begann während der Befreiung von Paris für das Magazin Samedí Soir und darauf folgte France – Dimanche, Elle y Paris Press. Später machte er sich auf eine lange Reise in die USA, was ihn zu einem wichtigen Fotografen für das Magazin Life machte – das Magazin, was ein vorher und nachher in der fotografischen Reportage markierte. Diese Bilder wurden 1992 ausgestellt und sind Teil des Buches Meine Jahre für Life.

Um das Erbe von Pierre Boulat in der journalistischen Fotografie zu sehen und die Karriere von Alexandra zu verfolgen, ist es eine tolle Idee sich diese Ausstellung anzusehen, wo man die Relevanz dieser Profis in den Konfliktzonen verstehen kann und auch wie sie zu Vorwürfen zu Verbrechen gegen die Menschlichkeit beitragen.

Nancy Guzman

Wenn du nach Paris kommst, kannst du diese Ausstellung nicht verpassen. Nachdem du im Petit Palais warst, kannst du eine angenehme Nacht in einem der appartments in Paris genießen.

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Übersetzt von: Maike Moci

Uns allen gefällt es sich gut anzuziehen und einen eigenen Stil zu haben, der unsere wahren und einzigartigen Charakterzüge hervorhebt. Das Problem ist, dass wir nicht immer wissen, welcher Look zu uns passt und wie wir unsere „Schokoladenseiten“ hervorheben können. Hier ein paar Ratschläge in Sachen Stil von den Frauen, die als Modeikonen gelten für ihren sauberen und originellen Stil. Denn wie die legendäre Coco Chanel bereits wusste: Die Mode ist vergänglich, es ist der Stil der bleibt.

1. Jane Birkin, britisches Model und Schauspielerin, hatte einen natürlichen in ihrem Sinn sexy Stil, der seit den 70ern als ein Symbol unerreichbarer Perfektion steht. Ihr Status als Modeikone wurde bestätigt als die Marke Hermés eines ihrer elegantesten Designs nach der Engländerin benannten. Einer der wichtigsten Regeln von Birkin is es sich bequem und frei in seiner Kleidung zu fühlen, deswegen folgte sie nie den vergänglichen Tendezen, sondern wählte großzügige Schnitte, ein wenig maskulin, die den unwiderstehlichen Look von Jane komplett machen.

2. Carine Roitfeldt, Leiterin der Vogue Paris, bleibt im Alter von 55 Jahren eine der attraktivsten und stilvollsten Frauen der gesamten Modeindustrie. Ihr Rat für jeden, der sich unsicher fühlt, was das Thema Kleidung angeht, ist immer seine sichtbarsten Körperteile hervorzuheben und zu betonen. Wenn du lange, defininierte Beine hast, versteck sie nicht und trag Miniröcke. Wenn du deine Augen magst, versteck sie nicht hinter deinen Haare und beton sie mit einem schönen Make-up.

3. Audrey Hepburn in ihrer Hauptrolle in dem legendären Film “Breakfast at Tiffany’s” war zweifellos einer der größten Einflüsse in der Mode. Ihr Rat war es, dass jede Frau simple, klassische Kleidung haben sollte, wie das berühmte „litte black dress“, ein elegantes schwarzes Kleid, was dir immer einen gewissen stilistischen Touch geben wird, was Blicke auf dich ziehen wird.

Heloise Battista

Wenn du mehr über guten Stil lernen willst, raten wir die Appartments in Paris zu mieten, einer der elegantesten Städte der Welt. 

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Übersetzt von: Maike Moci