Tätowierer sind nicht nur ein Teil der urbanen Kultur, sondern auch Künstler und Neu-Bildner des Körpers, denn mit ihren Nadeln geben sie der Geographie unseres Körpers eine neue Bedeutung, indem sie die Haut mit Farbe und Designs verändern. Für ihre Arbeit benötigen sie eine Vielzahl von Instrumenten wie zum Beispiel Nadeln, Spraywerkzeug, Sterilisatoren, Zerstäu-ber, Tinten und Pigmente, Zeichnungsmodelle, sowie viele weitere Wegwerfmaterialien zum Sterilisieren der zu tätowierenden Hautpartie, denn so wird es von den sanitären Autoritäten vorgeschrieben.

Tätowierungen werden heutzutage sogar als Make-up verwendet, indem Lippen- und Augenumrandungen oder auch Rouge nachgezogen werden. Im Folgenden geben wir Ihnen einige Tipps zu Tätowierstudios in Paris, damit Sie Ihren Besuch dieser wunderschönen Stadt vielleicht mit einem Tattoo verewigen lassen können.

Übrigens können Sterilisatoren oder Autoklaven, die grundlegend notwendig sind, um alle Materialien absolut keimfrei zu halten, in jedem Geschäft für medizinische Geräte erworben werden.

Paris Tattoos ist ein Tattoo Shop, der 1989 gegründet wurde und nach dem Künstlernamen des Tätowierers und Eigentümers Paris benannt wurde. Er ist auf der ganzen Welt für seine Designs und die gute Qualität seiner Tattoos bekannt. Paris Tattoos liegt in der 1820 South Blvd., Charlotte und bietet ebenfalls Tätowiermaterialien, Entwürfe und Piercings an.

Tin-tin Tatouages liegt in der 37 rue de Douai und ist ein sehr prestigeträchtiger Tattooshop, der von Tätowierern und Interes-senten aus der ganzen Welt aufgesucht wird. Die Designs von Tin-tin Tatouages sind wahre Kunstwerke, von denen jeder Tattooliebhaber träumt.

Karl Marc Tattoos ist ein Studio, in dem Tattoos Kultstatus genießen. Gelegen in der 13, Rue de la Grange aux Belles bietet es ganz besondere Designs mit Bezug zur Naturverbundenheit, wie Vögel, Blumen, etc., die dem Körper einen Hauch von Natur verleihen können. Karl Marc ist nicht nur ein großartiger Zeichner, er verkauft auch von Hand gearbeitete Tätowiergeräte mit Garantie. Um Preise zu erfahren oder ein Gerät zu kaufen, wenden Sie sich einfach an folgende Adresse: kustomtatoo@yahoo.com.

All Tattoo hat alles, was ein Tätowierer seinen Kunden bieten möchte, die besten Designs gefertigt mit Materialien erster Qualität. Gelegen in der 16, rue Saint Sabin gilt es als Zulaufstelle für alle Liebhaber des Tattoos und bietet seinen Kunden eine großartige Auswahl an Designs, Tinten und Piercings.

Anomali Tattoo & Piercing widmet sich ausschließlich der Welt des Tattoos. Sein Team setzt sich zusammen aus Karim, dem Geschäftsführer, sowie zwei Tätowier- und Piercingspezialisten. Nahe des Center Georges Pompidou bietet der Shop ein so umfangreiches Repertoire, dass kein Tattoo unmöglich scheint, inklusive interessanter Kunstwerke, die einen bedeutenden Teil des Körpers bedecken können, oder auch kleiner dimensionierte graphische Designs.

Ein Tattoo sollte sehr ernst genommen werden, denn Haut und Körper werden zur Schau gestellt, weshalb eine einwandfreie Qualität der Tattooprodukte unerlässlich ist. Daher legen wir großen Wert darauf, dass all die beschriebenen Tattoostudios weithin bekannt sind für ihre seriöse Arbeit und die besten Produkte, die auf dem lokalen Markt zu finden sind.

Nancy Guzman

Der Januar ist ein großartiger Monat, um zu verreisen und neue Dinge zu erleben. Mieten Sie appartments in Paris und genießen Sie all das, was diese großartige Stadt zu bieten hat.

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Übersetzt: Jule
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Noch bis zum 19. Februar 2012 ist im Museum der Dekorativen Künste (Musée des Arts Decoratifs) in Paris erstmals das Werk des österreichischen Graphikkünstlers Stefan Sagmeister in Frankreich zu bestaunen. Unter dem Titel „Eine weitere Ausstellung über Werbung und kommerzielles Material“ wird die besondere Sprache des Künstlers repräsentiert, welcher durch das Mischen von Kunstwerken und graphischen Arbeiten einzigartige Stücke hervorbringt.

Die Ausstellung enthält Illustrationen von Jacken, CDs, kommerziellen Katalogen, Expositionen, Installationen, Zeichnungen, Logos, etc. und versucht damit, eine Achse entlang der Arbeiten der vergangenen sieben Jahre zu ziehen, indem sie diese in vier Sparten unterteilt, welche der Künstler wie folgt bezeichnet: Kultur verkaufen, Freunde verkaufen, Firmen verkaufen und sich selbst verkaufen, denn all die exponierten Werke handeln vom Verkauf.

Mit dieser Auswahl möchte Sagmeister darstellen, dass zwischen der Welt der Graphik als Ausdrucksform der Kunst und dem kommerziellen Bereich, der sich dem Verkauf der Produkte widmet, kein Unterschied besteht. Ein interessanter Diskussionspunkt, denn er öffnet den Dialog über den Wert der immateriellen Arbeit, welche sich sowohl auf die Kunst erstreckt wie auch auf die Werbung, in der Images kreiert, oder künstlerische Bilder zur Werbung von Produkten genutzt werden, oder wie in Sagmeisters Fall, graphische Bilder geschaffen werden, um mit ihrer Hilfe Produkte zu verkaufen.

Stefan Sagmeister wurde 1962 in Vorarlberg, Österreich, geboren. Er studierte Graphik und Design an der Universität für angewandte Kunst in Wien und erhielt im Anschluss ein Stipendium für das Pratt Institute in New York. 1991 zog er nach Hong Kong, wo er für die Werbeagentur Leo Burnett arbeitete, sowie mit Oliviero Toscani und Tibor Kalman, dem Mitbegründer des Colors Magazine. Daraufhin begann er, sich für die Musik zu interessieren und eröffnete sein eigenes Unternehmen, mit dem er als Graphikdesigner für Lou Reed, die Rolling Stones, Talking Heads oder auch für das Musikhaus von Porto arbeitete.

Mit seiner Arbeit war Sagmeister so erfolgreich, dass er heutzutage auf der ganzen Welt Konferenzen abhält. Er war neben Ben Cohen ebenfalls einer der Mitbegründer der Bewegung True Majority, welche 500 Künstler, einflussreiche Persönlichkeiten, Unternehmer und meinungsbildende führende Personen der USA vereinte, die öffentlich ihre Ablehnung des Irakkrieges bezeugten, welchen sie als einen Betrug am Volk dieses Landes ansahen, und forderten, dass die Investitionen in die Waffenindustrie reduziert und stattdessen mehr Geld in die Erziehung gesteckt werden sollte. Zur Förderung dieser Idee wurden aufsehenerregende Kampagnen in der New York Times und dem Wall Street Journal veröffentlicht.

Sagmeister ist für seine ganz spezielle Art und Weise bekannt, in der er seine Botschaften auf sehr ungewöhnlichen Trägermedien präsentiert. Dies hat beispielsweise für Kontroversen gesorgt, als er auf sehr radikale Weise seinen eigenen Körper als graphischen Träger für ein Plakat verwendete, das er Anfang der 90er Jahre entwarf. Anlässlich der Konferenz des American Institute of Graphic Arts auf dem Campus von Cranbrook bat er damals seinen Assistenten, ihm die Informationen zur Konferenz mit einem spitzen Gegenstand auf den Oberkörper zu ritzen, ließ sich anschließend fotografieren und wurde somit selbst zum Plakat.

Für mehr Informationen besuchen Sie folgende Website: http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/accueil-292/une-486/francais/publicite/expositions-96/actuellement-504/stefan-sagmeister-another-exhibit/

Nancy Guzman

Der Dezember ist der perfekte Monat, um sich eine wohlverdiente Auszeit zu gönnen. Also mieten Sie appartments in Paris und genießen Sie diese wunderschöne Ausstellung über das Genie der graphischen Künste, Stefan Sagmeister.

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Übersetzt: Jule
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Das Musee de Les Arts Decoratifs in Paris stellt bis zum 6. November die Ausstellung “Plastique ludique”, die das Werk der tschechischen Spielzeugdesignerin Libuše Niklová Zeist. Die Ausstellung wirft einen Rückblick auf die kreative Arbeit dieser Designerin, die mit ihren Entwürfen den Alltag vieler prägte.

Die tschechische Spielzeugkultur basierte bis in die 50er Jahre auf dem Holzdesign. Die Holzkrise führte dazu, dass alternative Materialien ausprobiert wurden, wie Plastik und Gummi, die nun zur Herstellung von Spielzeug genutzt wurden.

Libuše Niklová wurde 1934 in Zlin, in der Tschechoslowakei geboren. Sie studierte an der Universität für Angewandte Künste von Uherské Hradiste. Ihre erste Arbeit war in Gumotex Breclav. Die Kombination aus Fantasie und Erfindungsgabe führte dazu, dass ihre Designs sich an die Technik adaptierten, und so neue Produktlinien entstanden, die den Spielzeugmarkt in der Tschechoslowakei radikal verändern würden, so wie auf der ganzen Welt.

Wenn jemand älter als 30 Jahre alt ist, dann hat er mit der Katze oder dem Hund mit Akkordeon artigem Körper gespielt, der Geräusche machte. Dasselbe gilt für die verlängerte Giraffe, die auch noch heute auf dem Markt ist.

Niklovás Arbeit sticht wegen einer interessanten Mischung zwischen Sound, Form, Farben und Texturen hervor, die eine Spur in diesem Segment des Designs hinterlassen hat.

In den 50er Jahren begann sie mit dem Design von aufblasbaren Spielzeugen aus Polyethylen für die Firma Fatra Napajedia, das wegen seiner künstlerischen Qualität hervorstachen. Sie hat eine ganze Faune kreiert, die den Kindern als aufblasbare Möbel dienten, um so aus dem Spielzeug auch ein dekoratives und anderweitig nutzbares Objekt machte. Die Farben, die ergonometrische Form, und das Volumen waren so entworfen, damit die Kinder im Raum intervenieren konnten und so die Dekoration und Einrichtung nach ihrem kindlichen Empfinden beeinflussen konnten.

Niklová hat für kreative, unabhängige und glückliche Kinder entworfen. SO hat sie es selbst gesagt, denn wenn sie ihre Tiere entwarf hatte sie immer im Kopf wie Kinder auf kreativere Weise spielen konnten.

Ihre minimalistischen und taktilen Designs, die die Natur und die Berufe darstellten haben sich in Kultobjekte verwandelt, die heutzutage Sammlerwert haben.

Mehr Information unter: http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/accueil-292/une-486/francais/arts-decoratifs/expositions-23/actuellement-501/dans-la-galerie-des-jouets/plastique-ludique-libuse-niklova/

Nancy Guzman

Wenn Sie irgendwann mit einem aufblasbaren Elefanten gespielt haben, oder andere Spielzeuge von Niklová besaßen und sie wieder haben wollen, dann können Sie diese im Shop des Musee des Les Arts Decoratifs kaufen, wenn Sie appartments in Paris gemietet haben.

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Übersetzt: Heloise Battista
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Nach der Weltausstellung von 1889, von dessen Wichtigkeit für die Zukunft der Stadt heute immer noch die 330 Meter des Eiffelturms sprechen, zeichnete sich das letzte Jahrzehnt des zwanzigste Jahrhunderts in Paris durch einen andauernden und phantasiereichen Eigensinn aus, auf der Suche nach effizienten Lösungen für die wachsenden Probleme, welche die Folgen des Fortschritts einer der modernsten und bevölkertesten Städte der westlichen Welt darstellten.

Dieses Bestreben materialisierte sich in einer neuen Art, Innen- und Außenräume zu gestalten, im öffentlichen wie auch privaten Raum auf eine Weise, welche das fortschrittliche Interesse an neuen Materialien und Formen widerspiegelte, die charakteristisch für die Zeitabschnitt waren. Gestaltende Motoren eines äußerst phantasievollen und träumerischen Stils, der nicht umsonst mit der Bezeichnung Art Nouveau in die Geschichte einging. Denn die radikalen Erneuerungen, welche diese Richtung in Hinblick auf vorhergehende Architektur und vorhergehendes Design vorschlug, waren von großer Bedeutung.

Eines der Hauptmerkmale der neuen Zeit bestand in der Verwischung jeglicher Art von Hierarchie unter den verschiedenen künstlerischen Disziplinen. Diese tendierten dazu, sich nun auf demselben Niveau zu positionieren, wo die synästhetischen Eindrücke vorherrschen. Außerdem gab es das Auftauchen und den unaufhaltsamen Anstieg der so genannten dekorativen Künste, welche durch die Welt der Werbung und des neu belebten Handels Unterstützung erhielten. Die Welt der Kunst und die Welt der Industrie wurden nicht als separierte Gebiete wahrgenommen, sondern vielmehr wurde ihre Vereinbarkeit und Koexistenz wie eine offene Realität gelebt, wie auch der internationalen Wettbewerb und die wissenschaftlichen Fortschritte.

Vor allem überwiegte die Überzeugung von der Notwendigkeit, einen „modernen Stil“ zu kreieren, welcher der Vergangenheit nicht allzu sehr verpflichtet wäre. Auch wenn es nicht schwer abzuleiten ist, dass er für viel zu lange Zeit einfach unterbewertet wurde – er hinterließ keine Schule oder Schüler, welche auf direkte Weise seinen Nachlass verteidigen hätten können – war Hector Guimard (1867-1942) mit großer Wahrscheinlichkeit einer der revolutionärsten Architekten seiner Zeit und vielleicht derjenige, der am besten auf ihre Forderungen und Ansprüche reagierte. Der größte Teil dieser galt der Verbesserung des Lebens- und Wohnstils der wohlhabenden Mittelklasse (für sie baute er Häuser und Apartments, die weder außergewöhnlich teuer, noch zu extravagant waren und schuf so neue und helle Innenräume, die mit leuchtenden Farben ausgestattet waren.)

Man kann sagen, dass Guimard zu einen neuen Typus von Architekt-Designer wurde, und dies mitten auf einer klaren Trennungslinien zwischen den Architekten, die mit traditionellen Formen und Methoden arbeiteten und seine Entwicklungen grundsätzlich ablehnten und jenen, die interessiert daran waren, unabhängig an der Erfindung neuer Formen des Innendesigns zu arbeiten und ihn als Visionär ansahen.

Auch wenn er nicht an der Weltausstellung von 1900, dem Epizentrum der in jenem Moment produzierten Veränderungen teilnahm, definierte er damals das Erscheinungsbild der Stadt durch die Gestaltung seiner Metro-Eingänge neu, ein weiteres Beispiel der Anwendung neuer Materialien und vorgefertigten Formen.

Paul Oilzum

Mit wechselnden und faszinierenden Formen (bauchig, pflanzlich, üppig, organisch, verzweigt, rätselhaft, manchmal auch ganze Pavillons aus geschliffenem Glas) gibt es heute noch mehr als achtzig von ihnen, die vielleicht wie nichts Anderes dazu beigetragen haben, das Bild der Stadt Anfang des XX Jahrhunderts zu gestalten. Lasst euch, wie es die Surrealisten gemacht haben, von ihnen verzaubern, wenn ihr appartments in Paris mietet.

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Übersetzt: Grete Tal
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Nach der Weltausstellung von 1889, von dessen Wichtigkeit für die Zukunft der Stadt heute immer noch die 330 Meter des Eiffelturms sprechen, zeichnete sich das letzte Jahrzehnt des zwanzigste Jahrhunderts in Paris durch einen andauernden und phantasiereichen Eigensinn aus, auf der Suche nach effizienten Lösungen für die wachsenden Probleme, welche die Folgen des Fortschritts einer der modernsten und bevölkertesten Städte der westlichen Welt darstellten.

Dieses Bestreben materialisierte sich in einer neuen Art, Innen- und Außenräume zu gestalten, im öffentlichen wie auch privaten Raum auf eine Weise, welche das fortschrittliche Interesse an neuen Materialien und Formen widerspiegelte, die charakteristisch für die Zeitabschnitt waren. Gestaltende Motoren eines äußerst phantasievollen und träumerischen Stils, der nicht umsonst mit der Bezeichnung Art Nouveau in die Geschichte einging. Denn die radikalen Erneuerungen, welche diese Richtung in Hinblick auf vorhergehende Architektur und vorhergehendes Design vorschlug, waren von großer Bedeutung.

Eines der Hauptmerkmale der neuen Zeit bestand in der Verwischung jeglicher Art von Hierarchie unter den verschiedenen künstlerischen Disziplinen. Diese tendierten dazu, sich nun auf demselben Niveau zu positionieren, wo die synästhetischen Eindrücke vorherrschen. Außerdem gab es das Auftauchen und den unaufhaltsamen Anstieg der so genannten dekorativen Künste, welche durch die Welt der Werbung und des neu belebten Handels Unterstützung erhielten. Die Welt der Kunst und die Welt der Industrie wurden nicht als separierte Gebiete wahrgenommen, sondern vielmehr wurde ihre Vereinbarkeit und Koexistenz wie eine offene Realität gelebt, wie auch der internationalen Wettbewerb und die wissenschaftlichen Fortschritte.

Vor allem überwiegte die Überzeugung von der Notwendigkeit, einen „modernen Stil“ zu kreieren, welcher der Vergangenheit nicht allzu sehr verpflichtet wäre. Auch wenn es nicht schwer abzuleiten ist, dass er für viel zu lange Zeit einfach unterbewertet wurde – er hinterließ keine Schule oder Schüler, welche auf direkte Weise seinen Nachlass verteidigen hätten können – war Hector Guimard (1867-1942) mit großer Wahrscheinlichkeit einer der revolutionärsten Architekten seiner Zeit und vielleicht derjenige, der am besten auf ihre Forderungen und Ansprüche reagierte. Der größte Teil dieser galt der Verbesserung des Lebens- und Wohnstils der wohlhabenden Mittelklasse (für sie baute er Häuser und Apartments, die weder außergewöhnlich teuer, noch zu extravagant waren und schuf so neue und helle Innenräume, die mit leuchtenden Farben ausgestattet waren.)

Man kann sagen, dass Guimard zu einen neuen Typus von Architekt-Designer wurde, und dies mitten auf einer klaren Trennungslinien zwischen den Architekten, die mit traditionellen Formen und Methoden arbeiteten und seine Entwicklungen grundsätzlich ablehnten und jenen, die interessiert daran waren, unabhängig an der Erfindung neuer Formen des Innendesigns zu arbeiten und ihn als Visionär ansahen.

Auch wenn er nicht an der Weltausstellung von 1900, dem Epizentrum der in jenem Moment produzierten Veränderungen teilnahm, definierte er damals das Erscheinungsbild der Stadt durch die Gestaltung seiner Metro-Eingänge neu, ein weiteres Beispiel der Anwendung neuer Materialien und vorgefertigten Formen.

Paul Oilzum

Mit wechselnden und faszinierenden Formen (bauchig, pflanzlich, üppig, organisch, verzweigt, rätselhaft, manchmal auch ganze Pavillons aus geschliffenem Glas) gibt es heute noch mehr als achtzig von ihnen, die vielleicht wie nichts Anderes dazu beigetragen haben, das Bild der Stadt Anfang des XX Jahrhunderts zu gestalten. Lasst euch, wie es die Surrealisten gemacht haben, von ihnen verzaubern, wenn ihr appartments in Paris mietet.

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Übersetzt: Grete Tal
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Der Petit Palais von Paris glänzt mit der Ausstellung avantgardistischer Architektur, Design und Fotografie: Charlotte Perriand 1903 – 1999 von der Fotografie zum Design, die noch bis zum 18. September läuft.

Die von Gilles Chazal, dem Chef-Konservator des Petit Palais, Pernette Perriand-Barsac und Jacques Barsac in Zusammenarbeit mit dem Konservator des Museum der Stadt Paris, Silvano Lacombre, kuratierte Ausstellung huldigt der Frau, die Konzepte und architektonische Ästhetik zur Lebensart entworfen hat und sich der Untersuchung des Designs gewidmet hat, indem sie Möbel entworfen und wunderbare Fotografien produziert hat.

Charlotte Perriand war eine geniale, getriebene und avantgardistische Architektin. Sie suchte eine neue Ästhetik, welche Lebensqualität mit Ästhetik verbinden würde, brach somit mit dem strikten Akademismus und widmete sich den Studien von Le Corbusier und Pierre Jeanneret. So ließ sie der Suche nach neuen Materialien freien Lauf, welche die formalen Konzepte der Architektur transformierten und das System des Wohnens nach dem Konzept des Genusses durch Wohlbefinden verbessern würden.

Perriand schloss das Studium der Architektur in der Union centrale des arts décoratifs von Paris ab. 1924 überraschte sie die Kritiker im Pariser Herbstsalon mit ihrer Bar unter einem Dach aus verchromten Stahl und eloxiertem Aluminium, wo sie ein neues Designkonzept vorstellte und damit die Eingliederung von Industrie- Materialien in das Design.

Ihre Begegnung mit Le Corbusier und Pierre Jeannerat ließ sie an Innendesigns arbeiten. 1929 übernahm Jeanneret das Design des Projektes Zimmereinrichtung, welches im Pariser Herbstsalon in jenem Jahr ausgestellt wurde. Regale, Stühle, Tische mit neuen Designobjekten, die durch Funktionalität, Ästhetik und Bequemlichkeit beeindrucken.

A pesar que el diseño de equipamientos que dieran confort fue importante en su trabajo de diseño, nunca dejó de trabajar e investigar en formas y materiales para construcción de vivienda social que solucionara los problemas básicos de calidad de vida a los sectores más cadenciado de la población.

1929 gründete sie die Union des Artistes Modernes, gemeinsam mit anderen Designern, mit denen sie neue Materialien für die Arbeit an modernen Designs, ihrem permanentes Interesse, erforschte.

1933 nimmt sie an dem Manifest teil, welches Le Corbusier und weitere dreißig Architekten beim IV Kongress der CIAM in Athen präsentieren, bei dem die neuen Anforderungen einer humaneren Gesellschaft verdeutlicht werden. Sie zeigt auf, dass „ Die Notwendigkeit einer neuen Architektur, welche die materiellen, gefühlsmäßigen und geistigen Anforderungen des heutigen Lebens befriedigen“ ein notwendige Weg ist.

Perriand ließ ihr linkes, politischen Engagement nicht Außen vor und 1935, in der Zeit der Front populaire, nahm sie an diversen Ausstellungen teil und zeigte mit ihren Innendesign-Arbeiten das Elend auf, welche große Teile von Paris beherrschte. Im Salon des Arts de Ménanger von Paris schuf sie eine Fotomontage mit dem Titel La grande misère de Paris, die zum ersten Mal den Urbanismus behandelt und das anarchische Wachstum der Stadt und dessen Effekte auf das Elend.

Für mehr Information

http://www.petitpalais.paris.fr/fr/expositions/charlotte-perriand

Nancy Guzman

Charlotte Perriand war mehr als eine Architektin, Designerin und Fotografin. Sie war eine Denkerin der Stadt und der Lebensqualität. Wenn du dich in appartments in Paris befindest und so der Routine zu entgehen, ist das Kennenlernen des Werkes dieser avantgardistischen und sensiblen Frau ein gutes Freizeitprogramm.

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Übersetzt: Grete Tal
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Vom 7 Juli bis zum 13 November stellt das Pariser Arts Decoratifs die interessante Arbeit einer der innovativsten und visionärsten Designer seiner Zeit aus, dem türkisch-zypriotischen Konzeptkünstler Hussein Chalayan.

Die Ausstellung ist fokussiert auf eine Reihe von Produktionen, bei denen sich Chalayans Genialität zeigt, Modedesign, Modenschauen und Projektionen zu vereinen und sie zu einer großen Installation werden zu lassen.

Les Arts Decoratifs von Paris bringt durch die Ausstellung des Werkes von Chalayan einen interessanten ästhetischen und theoretischen Ansatz über den Schnittpunkt von Mode, Design und Kunst. Sein Werk bricht mit klassischen Grenzen um Architektur und Design zu beeinflussen durch das Erforschen und Entdecken innerhalb der Architektur, dem Möbeldesign und dem Effekt der Bilder in Video, Fotografie und Kino. Er hat es über die Laufstege hinaus projiziert und dadurch die Anerkennung der Kritiker als Konzeptkünstler erhalten.

Hussein Chalayan wurde 1970 in Nicosia, Zypern geboren. 1978 zog er gemeinsam mit seiner Familie nach England, Jahre später beginnt er auf der Central St. Martin in London zu studieren und macht seinen Abschluss 1993 mit einer Kollektion, die er Die fließende Tangente nannte. Dieser ästhetische Ansatz war eine Offenbarung, denn sie bestand aus Kleidung die er im Garten seines Hauses vergraben hatte, um sie vor der Modenschau wieder auszugraben. Sein unmittelbarer Erfolg wurde dadurch reflektiert, dass alle seine Stücke gekauft und in dem Luxusgeschäft Browns in London präsentiert wurden.

Zwei Jahre später nahm er mit 100 Designern an einem Wettbewerb teil der durch die Firma Absolut organisiert wurde und gewann den ersten Preis und 28.000 Pfund, um seine Kreationen für die Modewoche im Jahre 1995 in London zu entwickeln, wo er Applaus und die Weihe der großen Laufstege erhielt.

Im selben Jahr arbeitete er an dem Outfit und der avantgardistischen Ästhetik der Sängerin Björk. Seine Arbeit kann man in den Fotografien zum Album Post und in der Bühnengestaltung der Promotionstour der Platte sehen. Als Dank und Anerkennung der Arbeit von Chalayan präsentierte Björk seine Designs auf dem Laufsteg der 1995’er Londoner Modewoche.

Sein zeitgenössischer Blick auf die Mode und die Gesellschaft ließen ihn den Turnschuh ANU im Stil der Chukkers für die Kollektion Urbane Mobilität entwerfen. Die Turnschuhe haben ein minimalistisches, einfaches Design und erobern die Grenze zwischen Mode und verfügbarer Technologie.

Seine Revolution innerhalb des Designs reichte weiter als jede andere: seine Papierkleidung die gefaltet und per Post verschickt werden kann, der Sesselbezug der sich in ein Kleid verwandelt oder einfach die Tischdecke die zu einem interessanten Rock wird, sprechen von einer Genialität im Umgang mit neuen Materialien und der Vielfalt seiner Kreationen, die aus verschiedensten Dingen wahrhafte Kunstwerke machen.

Für mehr Information: http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/mode-et-textile/expositions-70/prochainement-446/hussein-chalayan-943/

Nancy Guzman

Wenn Sie sich überraschen lassen wollen und sehen wie Mode sich in ein Kunstwerk verwandelt, sollten Sie diese wundervolle Ausstellung von Hussein Chalayan nicht verpassen, wenn Sie gerade einige Tage in appartments in Paris genießen. Später können Sie sich aufmachen in die Straßen und Cafés der Stadt der Liebe und über die menschliche Kreativität nachsinnen.

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Übersetzt: Grete Tal
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Vor dem Vorfall war das Café la Perle (Rue de la Perle, Paris) bereits eine der erlesenen und besonderen Bars von Paris, einer dieser Orte, die als perfektes Szenario für jene Personen gelten, deren Hingabe und Liebe zu den neuesten Trends in der Welt des Modedesigns den Begriff fashionist geprägt haben. Ein Ort, an dem die tatsächliche Dekoration in den Kunden besteht, makellos gekleidete, oft junge Menschen, und der  außerdem für ein nicht unerhebliches Niveau an Kreativität und Erfindung steht.

Kunden und Spiegel, letztere ein essenzielles Element für den Austausch flüchtiger Blicke, die so typisch für diesen Ort sind, oder auch, um sich selbst mit der notwendigen Häufigkeit zu betrachten, ebenfalls eine unverzichtbare Tätigkeit, wenn man den Stellenwert der Stammkunden dieses nächtlichen Tempels der modernen Mode betrachtet. Kunden, Spiegel und Mobiltelefonkameras der neuesten Generation. Letztere haben erst kürzlich eine wichtige Hauptrolle gespielt und dazu verholfen, La Perle auf das Niveau der beiden höchsten Kategorien jedes religiösen Kultes zu erheben, in dem Raum für Vergötterung besteht. Wir beziehen uns natürlich auf das Martyrium und das Opfer, zwei Aspekte, die miteinander verflochten, als kürzlich der britische Designer John Galliano, eines der großen Talente in der Welt des Modedesigns der letzten Jahrzehnte, im Café la Perle, nicht ohne ein gewisses autodestruktives Zutun, in Ungnade gefallen ist.

Als Modeschöpfer hat John Galliano mit seinen 51 Jahren bereits ein Erbe für die Ewigkeit hinterlassen, gekennzeichnet durch seinen barocken Style, der stets mit dem Exzessiven liebäugelte. Es handelt sich also um einen theatralischen Designer, der allzu oft auf die Hyperbel zurückgriff, um Dramatik auszudrücken und einen bestimmten Style zu definieren. Als seine Intimsphäre verletzt wurde, während er sich im Café la Perle betrank, reagierte er eindeutig berauscht auf die Einmischung seiner Tischnachbarn mit einigen unglücklichen und unentschuldbaren antisemitischen Kommentaren, für die er später vorbehaltlos um Verzeihung bat.

Das Video des Vorfalles, das von den beschimpften Kunden mit einer Handykamera ohne das Einverständnis Gallianos aufgenommen wurde, ist um die ganze Welt gegangen. Darin ist eindeutig zu sehen, dass der Designer betrunken war. Auch ist zu erkennen, dass er posiert, in eine Rolle schlüpft, sich mit einer Maske brüstet, so hässlich diese auch sein mag. Wir alle haben irgendwann in unserem Leben schon einen solchen Moment erlebt. Wir alle haben in erhitztem Zustand Sachen gesagt, vor allem unter Alkoholeinfluss, die wir später bereut haben. Und wir alle verbergen auch einen Faschisten in uns. Dieser ist der wirkliche Feind. Wenn man uns in einem dieser Momente auf Video aufnehmen und dieses Beweisstück später veröffentlichen würde, fielen wir alle auf beschämendste Weise in Ungnade. Die Frage ist, bis zu welchem Punkt dürfen Worte, die in unserem Privatleben in einer außer Kontrolle geratenen Situation und ohne jede Verbindung zu unserem Berufsleben gefallen sind, so viel Macht haben, unsere Karriere zu ruinieren. Die Frage ist, wo würden wir als Gesellschaft enden, wenn immer alles strikt wortwörtlich genommen und zitiert würde.

Paul Oilzum

Galliano wurde nicht nur bei Dior gefeuert, wo er für die Damen-Modelinie verantwortlich war, sondern auch von seiner eigenen Firma John Galliano. Paradox, womöglich vergleichbar mit der Tatsache, dass das Café la Perle im jüdischen Stadtviertel Le Marais liegt, wo einige der bezauberndsten appartments in Paris zu finden sind.

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Übersetzt: Jule
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Bis zum 31. August wird in der Pierre Bergé Stifung in Paris die Ausstellung Yvest Saint Laurent- Rive Gauche Die Revolution der Mode präsentiert. Die Ausstellung ist eine Hommage an den Designer, der die ästhetischen Maßstäbe für Frauen verändert hat und ihnen über Kleidung und Accessoires mehr Macht gegeben hat.

Provokateur und Bahnbrecher Saint-Laurent nahm Paris ein und verlieh der Mode ein Kunstkonzept. 1966 nahm er den Smoking und zog ihn seinen weiblichen Modellen an, was den traditionellen Kleidungsregeln ein Ende setzte. Schon vorher hat er die Haute Couture eingeschüchter mit der schwarzen Bluse und dem Saharahemd, was Eleganz und guten Geschmack mit einem ethinischen Abdruck kombinierte, der der modernen Frau mehr Bewegungsfreiheit gab.

Henry Donat Mathieu, weltweit als Yves Saint Laurent bekannt wurde 1936 in Orán, Algerien geboren. Obwohl er einer hochklassigen Familie angehörte, durchlebte er schwierige Moment in seiner Kindheit aufgrund von Diskriminierung für seine Homosexualität. Er erzählte von einigen Erinnerungen aus der Schulzeit: „Für die Kinder war ich gefundenes Fressen, sie schlossen mich ins Klo ein, beleidigten und schlugen mich.“

Sein Debut in der Haute Couture Mode machte er bei Christian Dior, wo der schlecht für seine Kreativität und Perfektion in ästhetischen Linien auffiel, die mit den großen kulturellen und wirtschaftlichen Veränderungen der Nachkriegszeit einhergingen. Saint-Laurent griff den Ruf der Straße auf, der alltäglichen Frau, die aus dem Haus geht, um sich dem Industrialusierungsprozess und bezahlter Arbeit anzuschließen. Mit diesen Elementen erstellte er neue ästhetische Konzepte, die Bewegungsfreiheit mit Schönheit und gutem Kleidungsgeschmack kombinierte.

In den 50er Jahren frischte er den Frauenkleiderschrank mt der berühmten Linie Trapecio auf, die dazu bestimmt war dem Körper mehr Plastizität und Bewegungsfreiheit zu geben, in dem er das Korsett entfernte, den den Oberkörper der Frau steif ließen und erweiterte den Umfang, um einen agilen, leichten Schritt zu gewähren.

Sein erster Laden eröffnete im September 1966 in der Rue Tournon de la Rive Gauche, was auch seinem ersten Parfum seinen Namen gab für die Frau, die arbeitet und ihr Geld für besondere Dinge ausgibt: Rive Gauche.

Picasso, Van Gogh, Braque, Mondrian und Matisse inspirierten seine Kreationen und verwandelten seine Designs in Kunstwerke, die im Metropolitan Museum in New York ausgestellt wurden.

Seine Besessenheit und eine hohe Dosis künstlerische Sinnlichkeit behielt er trotz permanenten existentiellen Krisen bei, die in Drogenexzessen und Alkohol endeten. 1960 erlitt er einen Kollaps auf den Ruf zum Militär und er wurde für fast 3 Monate ins psychiatrische Zentrum Val-de-Grâce eingeliefert. 1989 diagnostizierte man ihn in einem psychiatrischen Krankenhaus mit einem schweren Fall von deliriun tremens. Seine Unsicherheit mit dem Vergehen der Zeit, die Konkurrenz und seine Kindheitserfahrungen machten sich in seiner Gesundheit fest. Er starb 2002 und eine Aschen sind in den Majorelle Gärten in Marrokko versträut.

Für mehr Information: http://www.fondation-pb-ysl.net/en/Accueil-Fondation-PB-YSL_rive-gauche_2011-485.html

Nancy Guzman

Wenn du nach Paris kommst und kein Geld hast dir ein echtes Saint Laurent Stück zu kaufen, mach dir keine Sorgen, du kannst seine wichtigsten Kreationen sehen und die Geschichte dieser Modepersönlichkeit, der die Art wie wir Frauen betrachten revolutioniert hat, in der Pierre Bergé Stiftung kennenlernen. Und um in appartments in Paris auszuruhen braucht es keine großen Summen, wie laden dazu ein die besten Momente in Paris zu verbringen.

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Übersetzt: Miss Moci
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Die Internationale Messe für zeitgenössische Kunst ARTParis, wird vom 31. März bis zum 3. April im Grand Palais stattfinden. Die Messe ist eine der wichtigsten Events der pariser Kunstszene, in der aufstrebende Künstler oder bekannte Namen zusammentreffen und als Vitrine der besten Galerien aus Frankreich und dem Rest der Welt dient.

Dieses Jahr wird ARTParis die Vitalität des Kunstmarktes zeigen, indem sie über 120 internationalen Galerien als Plattform dient, die dort zusammentreffen, um das Beste aus der zeitgenössischen Kunst und dem Designbereich zu zeigen. Dieses Jahr werden über 17 Länder vertreten sein und über 48.000 Besucher erwartet.

Lorenzo Rudolf, Gründer dieser Messe und Direktor von ArtParis, hat diesen Raum als Plattform konzipiert, auf der sich Kunstschaffende und Händler auf internationaler Ebene ausstauschen können.

Aus diesem Grund wird diese Messe als eine der wichtigsten überhaupt angesehen und dient als Hotspot für Galeristen, Sammler, Kuratoren, und Kunstliebhaber, sowie auch für die Künstler selbst.

Die Galeristen haben die Möglichkeit mit anderen Galerien zu kooperieren, so wie auch mit Sammlern, und Kunstinstitutionen, Museen oder Kuratoren. Diese Projekte bieten die Möglichkeit ihre kreative Kapazität zu veranschaulichen.

Das Programm der Galerie Mayoral aus Barcelona wird unter anderem Künstler wie Delaunay, Sam Francis, Picasso, Miróo, Salvador Dalí und Wesselman zeigen, so wie auch Werke jüngerer Künstler wie Barceló, Fontcuberta, Sixeart, Abally, Bush Andrew und Cindy Sherman, deren Werk die weiblichen Stereotypen anprangernt.

Espace Meyer Zafra aus Paris wird in Zusammenarbeit mit der Kunststiftung Atlas Sztuki aus Polen eine Retrospektive über kinetische Kunst zeigen. So haben sie Künstler aus aller Welt wie Nicolas Schöffer eingeladen. Neben seinen Kreationen wird man auch Werke von Ludwig Wilding, Jesus Soto, Yacoov Agam, Antonio Asis und Carlos Cruz Diez zeigen.

Die Galerie Ceysson vertritt Positionen aus den Bereichen Kunst und Design,  und wird Werke von Sergio Rossi zeigen.

Die französische Galerie Lahumiere wird hingegen abstrakte Kunst zeigen, und zwar Bildhauerei von 1973 bis heute. Lahumiere zeigt das Werk von Jean Arp, der Mitglied des Cercle Carré war, Etienne Beoty, Denis Pondruel, Antoine Perrot und einer der Repräsentanten der abstrakten Geometrie, Francois Morellet.

Nancy Guzman

ARTParis 2011 ist eine gute Gelegenheit um Paris zu besuchen und interessante Ausstellungen zu sehen, um gegebenenfalls auch Kunstwerke zu kaufen. Mieten sie appartments in Paris und genießen sie die schöne Zeit.

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Übersetzt: Heloise Battista
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